聞き逃しサービス 2024/04/16 放送
クラシックの庭
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バレエ組曲「アパラチアの春」
( Appalachian Spring )
作曲： コープランド ( Aaron Copland )
ニューヨーク・フィルハーモニック(管弦楽)
レナード・バーンスタイン(指揮)
（24分34秒)
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開始より１時間17分53秒頃 (終了より32分07秒前頃)
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配信終了2024/04/23 15:50
　
　（すでに配信終了してます）
　
　
番組情報

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アパラチアの春_(コープランド)
Wikipedia JA(日本版) URL> https://ja.m.wikipedia.org/wiki/アパラチアの春

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　『アパラチアの春』（アパラチアのはる、Appalachian Spring）は、アーロン・コープランド作曲による「三大バレエ」の一曲。1944年10月初演。オーケストラ組曲として編曲されたものが広く知られている。このバレエは、13人編成の室内楽オーケストラのための作品として、振付師でダンサーのマーサ・グレアムの依頼と、エリザベス・クーリッジ夫人の委嘱により作曲された。コープランドはこの作品によって、1945年にピューリッツァー音楽賞を受賞した。
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アパラチアの春_(コープランド)　
Appalachian Spring
Wikipedia EN(英語版) URL> https://en.m.wikipedia.org/wiki/Appalachian_Spring

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　Appalachian Spring is an American ballet created by the choreographer Martha Graham and the composer Aaron Copland, later arranged as an orchestral work. Commissioned by Elizabeth Sprague Coolidge, Copland composed the ballet music for Graham; the original choreography was by Graham, with costumes by Edythe Gilfond and sets by Isamu Noguchi. The ballet was well received at the 1944 premiere, earning Copland the Pulitzer Prize for Music during its 1945 United States tour. The orchestral suite composed in 1945 was played that year by many symphony orchestras; the suite is among Copland's best-known works, and the ballet remains essential in the Martha Graham Dance Company repertoire.

　Graham was known for creating the "Graham technique" of dance; in the 1930s, she began commissioning scores from various composers, often related to American history and culture. Around the same time, Copland incorporated relatable and accessible musical characteristics of the Americana style to increase his music's appeal to the general public; he first implemented this in earlier ballets like Billy the Kid and Rodeo. The initial scenario for Appalachian Spring devised by Graham was revised many times by both her and Copland; the title characters' names were changed numerous times and other characters from the early revisions were cut in the final production. Originally orchestrated for a thirteen-piece chamber orchestra, the score was arranged into various suites by Copland for different purposes; the original ballet featured eight episodes, three of which were cut in the well-known orchestral suite.

　The ballet takes place in a small settlement in 19th-century Pennsylvania. There are four main characters: the Bride, the Husbandman, the Pioneer Woman, and the Revivalist; the last is accompanied by four Followers.[a] Appalachian Spring follows the Bride and the Husbandman as they get married and celebrate with the community. Themes of war are present throughout the story; it is suggested that the Husbandman leaves for war, causing worry and anxiety among the community. Shaker themes also influenced the ballet, notably in the music, where Copland incorporated a theme and variations on the common Shaker tune "Simple Gifts".
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【Themes】
　Themes of war are present throughout the conflict of Appalachian Spring. The central conflict begins in the "Fear in the Night" episode, where the Revivalist delivers a haunting sermon. Howard Pollack argued that this scene represented the spirit of John Brown's raid on Harpers Ferry, something that could cause the Husbandman to be drafted in the Civil War. Furthermore, the subsequent "Day of Wrath" episode can be seen as the Husbandman leaving for war, depicted with waves of goodbye. "Moment of Crisis" is an expression of anxiety and concern for the Husbandman, and "The Lord's Day" is a prayer for peace and safety. When the Husbandman rejoins the Bride at the end, Pollack suggests this is actually in her imagination, further supported by her final gesture of reaching out to the horizon. Mark Franko says that the Civil War themes are possibly a reference to the civil rights movement and ongoing racial inequality in the United States.

　The opening of the music uses delicately placed dissonances to create a dreamy landscape. In the scripts Copland worked from, this scene was to feature the Pioneer Woman sitting "terrifyingly still" and looking over her land. Elizabeth Crist speculates that the entire ballet is the Pioneer Woman's memory; Crist suggests that the dissonances in the music depict the Pioneer Woman reflecting on the hardships she faced, and that the following episodes are entirely her own experiences. Crist continues that when the opening themes are recalled at the end of the ballet, the Bride disconnects from the Pioneer Woman's memory, becoming her own individual memory; the Bride sits where the Pioneer Woman sat at the beginning, the context having shifted to a new time. Crist describes this as an embodiment of the link between wars among generations: as the youth during World War II saw similar circumstances to the generation of the Civil War, the Bride represents the common experiences of people living on the homefront during the 19th and 20th centuries. Graham's explanation for this was the fluidity of time, where younger generations feel the ramifications of things the older generations experienced.

　Shaker themes are also heavily present in Appalachian Spring. This idea is found in the original "House of Victory" script, where the Pioneer Woman is said to sit in a "Shaker rocking chair". Copland's interest in Shakers was not new, as they became a common subject of American art during the Great Depression. After Copland included the Shaker tune "Simple Gifts" into the "Interlude", Graham added "The Lord's Prayer" as a possible "Shaker meeting". Copland had decided to use "Simple Gifts" early on; by extracting a basic melodic motif from the tune, he created variations on it throughout the composition, first referring to it in the opening measures. The lyrics of "Simple Gifts" are connected to the ballet's themes of peace and remembrance during wartime: "'Tis the gift to be simple, 'tis the gift to be free".
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【Music and plot】
《》Prologue
　The ballet opens with a soft, quiet A major triad in the clarinet. The cello sustains the A tonic while the flute, violin, and viola stack build the A major triad again, this time with the dominant chord (E major) stacked in top. This creates a luminous scenescape, but the dissonances foreshadow danger. Copland conjures images of a pastoral scene by ending the chords with a deep tonic in the piano and following it with a shepherd flute-like reiteration of the triad. This opening polychord, consisting of the tonic A major and dominant E major, is found throughout the score as a foundation for many of the melodies and tonalities. The Revivalist enters first, in darkness, followed by the Pioneer Woman, who takes a seat in her rocking chair. Then, the Husbandman and Bride enter; as the Husbandman pauses to observe the home, daylight illuminates the stage. The four Followers join the Revivalist, who has observed the land with the Pioneer Woman. The two-minute opening has set up the themes present throughout the ballet, and Copland employed the upwards building of chords to depict a "nonmilitant fanfare", as Graham described in the early scripts.
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《》Eden Valley
　An allegro melody bursts forth as the Daughter bounds from inside the home. The melodies of "Eden Valley", meant to express the Bride's joy, use elements of an "old-fashioned swing" described in the early scripts. The new melody is followed by a bouncy restatement of the polychord from the "Prologue". A chorale-like second theme is introduced alongside the first. This chorale features odd rhythms between the different voices; while the upper line emphasizes the second beat, the bass line accents the first and third beats. The music calms down to a moderato; as the Husbandman enters, jagged rhythms show his awkward movement, but it is twice interrupted by the gentle chorale.

　As the two back out of the home, the couple dances a duet, this time accompanied by a new, more forceful theme in the strings. A descending melodic line is contrasted with the chorale theme; this connection of themes is seen throughout the episode and was used by Graham to easily shift the characters. The two receive the blessings of the Pioneer Woman and the Revivalist. This section is reminiscent of the Cowgirl's music from Rodeo, or the soft parts of Lincoln Portrait for the love theme; near the end, the clarinet brings back the chorale, and the flute answers, a call and response between the Bride and the Husbandman. Throughout the episode, the Followers participate in various group solos; the group often features a "spiraling" motion, moving into a kneeling position. "Eden Valley" closes with the Followers returning to the bench, each taking a seat one-by-one. Illustrating the choreography's close connection to the music, the moment each Follower sits is cued by a short motif in the woodwinds.
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《》Wedding Day
　A playful, childlike melody springs from the clarinet, opening the first part of "Wedding Day" and signifying the start of festivities. Graham wanted the first part to have "a little sense of a County Fair, a little of a revival meeting, a party, a picnic"; Copland achieves this by relating the music to square dancing and fiddling. The music becomes heavier and the jagged rhythms return for the Husbandman's Davy Crockett-esque solo; the love theme returns in the calmer music as the Husbandman carries the Bride into the home. The second part of "Wedding Day" depicts the "old fashion charivari" mentioned in the scripts. The joyous and bouncy music uses scales and rhythmic jolts to conjure the image of party and celebration. The Bride dances a rhythmically complex solo, similar to the Husbandman's dance in the first part. Instrument sections are clearly divided by quick jumps through changing metres. The uneven rhythms are replaced by consistent eighth notes, starting a light presto; here, Stravinsky's influence on Copland is evident in the Petrushka-like ascending and descending scales. As the music calms down with a restatement of the choral, the Revivalist dances with his Followers before the full cast proceeds onstage. A reprise of the calm opening (marked as at first) follows the characters as they exit for a walk; the light focuses on the Pioneer Woman's face, then fades into darkness as "Simple Gifts" begins.
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《》Interlude
　Copland used the Shaker song "Simple Gifts" throughout much of Appalachian Spring, first playing it in its entirety at the start of the "Interlude". Throughout the "Interlude", four variations on "Simple Gifts" are introduced, some fitting the atmosphere of the action on stage (like one variation reminiscent of the clip-clop of a horse's hooves). Most of the variations leave the melody essentially the same, changing other elements of the music, such as the harmony and instrumentation. This technique was meant to depict the lives of various townspeople doing their daily rounds, while the Husbandman and the Bride are dancing joyfully. The two are strongly connected throughout the duet, signified by eye contact, ease of physical touch, and openness of the body. Partway through, the Revivalist and his Followers join in. The Revivalist solos in close alignment with the bassoon, accompanied by the Followers. During the half-speed fourth variation played as a canon in the woodwinds, the Revivalist dominantly watches the couple's high-spirited duet, and follows them as they walk into the home.
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《》Fear in the Night, Day of Wrath, Moment of Crisis
　The music of "Fear of the Night" nervously jolts and twitches, similar to the "Gun Battle" in Billy the Kid. Fragmented "stingers", as Fauser called them, make the fast section the most "filmic" part of Copland's score. The Revivalist takes off his hat and approaches the bowing Husbandman and Bride. The Revivalist's four Followers surround him as he warns the couple of their eventual separation due to the war. His agonized, frenzied dance was informed by the "dark" experiences of Peter Sparling, a dancer in the company who would dance the role in later productions; his emotional interpretation influenced future dancers of the role. The Revivalist's solo uses violent shaking to relate the dance to traditional Shaker festivities; the shaking travels throughout the body, like a spirit trying to escape from the body. The demonstration scares the Bride and sends her into turmoil, but she quickly rejoins the Husbandman and accepts the risks of her love.

　In "Day of Wrath", Copland was "riffing rather aimeously of the arpeggiated polychord of the opening ... strengthened by an elusive displacement of the beat", as Fauser described. The Pioneer Woman enters with deep anger, and after prayer, she enters the home. The Husbandman leaves the home and performs a leaping solo, where the music uses a distorted version of the A major "Wedding Day" music stacked atop B minor harmonies to evoke anguish as he waves goodbye and exits.

　The Bride opens "Moment of Crisis" by frantically running across the stage, and the other women join in an anxious frenzy. The music becomes rushed and agitated into perpetual motion; consistent sixteenth-note patterns jump around the orchestra, with no sense of musical direction. The tonality is unstable and different from the common tonal language used throughout the rest of the score. The music begins to calm and the chorale returns as the Husbandman briefly comes back to dance with the Bride. Another variation of "Simple Gifts" underlines the Husbandman's slow drift away, and a grand, final restatement of the Shaker tune signals the end of the fear as the Pioneer Woman dances with the Followers.
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《》The Lord's Day
　A gentle hymn-like melody, marked "like a prayer", is heard in the strings as the community gathers for prayer. The chorale is stated a final time, followed by the return of the opening theme. Graham wrote that this episode "could have the feeling of a Shaker meeting where the movement is strange and ordered and possessed or it could have the feeling of a negro church with the lyric ecstasy of the spiritual about it". The Bride dances her final solo and finishes by putting her hand to her lips and then reaching out to the sky. The Husbandman returns and holds her briefly, but the Revivalist comes and touches his shoulder. As the music from the "Prologue" returns, the Bride sits in the rocking chair that the Pioneer Woman sat in and she looks over the empty stage. The Husbandman rests his hand on her shoulder and the Bride reaches out at the clarinet's last note. The music slowly fades to silence on the opening polychord and the curtain falls.
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【Suites】
　In May 1945, Copland arranged the ballet into a suite for a symphony orchestra, and many conductors programmed the work in the following seasons. The suite for orchestra premiered in October of that year with the New York Philharmonic Orchestra conducted by Artur Rodzinski, and was well-received. Other American orchestras expressed interest in the suite, with the San Francisco Symphony Orchestra, Pittsburgh Symphony Orchestra, Kansas City Philharmonic Orchestra, and the Cleveland Orchestra scheduling it that season. Its great success made the (then on-tour) ballet even more popular, establishing Copland and Graham as highly regarded artists. The Vienna premiere of the orchestral suite took place in November and the Australian premiere soon after. In January 1946, the Martha Graham Dance Company presented a new run of shows in New York, including Appalachian Spring on the program. By May 1946, the orchestral suite had received performances across the world.

　The orchestral suite is divided into eight sections, named by their tempo markings instead of episode titles in the ballet: "Prologue", "Eden Valley", "Wedding Day", "Interlude", and "The Lord's Day". In the suites, Copland omitted the conflict of the story ("Fear in the Night", "Day of Wrath", and "Moment of Crisis"), making these episodes unfamiliar to the public and seldom recorded. The popularity of the orchestral suite led to a number of other arrangements, including an arrangement of the full ballet for orchestra in 1954 and an arrangement of the "Simple Gifts" variations for band and later orchestra (1956 and 1967, respectively). In total, five versions of Appalachian Spring exist as created by Copland; listed in chronological order: the original ballet for 13 instruments, the suite for orchestra, a revised version of the ballet for 13 instruments, the revised ballet for orchestra, and the suite for 13 instruments. The orchestral suite remains the most well-known.
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〜［Excerpted from above wikipedia］
〜［上記wikipediaの日本語翻訳は次の通り。翻訳にはアプリ「DeepL」を使用。］
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　アパラチアの春』は、振付家マーサ・グラハムと作曲家アーロン・コープランドによって創作されたアメリカン・バレエ。 エリザベス・スプレイグ・クーリッジの依頼を受けたコープランドは、グラハムのためにバレエ音楽を作曲。オリジナルの振付はグラハム、衣装はエディス・ギルフォンド、舞台装置はイサム・ノグチが担当した。 このバレエは1944年の初演で好評を博し、1945年の全米ツアー中にコープランドはピューリッツァー音楽賞を受賞した。 1945年に作曲された管弦楽組曲は、その年に多くの交響楽団で演奏された。この組曲はコープランドの代表作のひとつであり、バレエはマーサ・グラハム・ダンス・カンパニーのレパートリーとして欠かせない。

　グラハムはダンスの「グラハム・テクニック」を創始したことで知られ、1930年代には、アメリカの歴史や文化に関連した様々な作曲家に楽譜を依頼し始めた。 同じ頃、コープランドは一般大衆へのアピールを高めるため、アメリカーナ・スタイルの親しみやすく親しみやすい音楽的特徴を取り入れていた。 グレアムによって考案された『アパラチアの春』の最初のシナリオは、彼女とコープランドの両者によって何度も修正され、タイトル・キャラクターの名前は何度も変更された。 当初は13人編成の室内オーケストラのためにオーケストレーションされた楽譜は、目的に応じてコープランドによってさまざまな組曲に編曲された。オリジナルのバレエには8つのエピソードがあり、そのうち3つはよく知られた管弦楽組曲ではカットされている。

　バレエの舞台は、19世紀ペンシルベニアの小さな集落。 主な登場人物は、花嫁、夫、開拓者の女、リバイバリストの4人で、最後の1人には4人の従者がついている。 ハズバンドマンが戦争に出発し、地域社会に心配と不安を引き起こすことが示唆されている。 シェーカー教徒のテーマもバレエに影響を与え、特に音楽では、コープランドがシェーカー教徒によくある曲「Simple Gifts」の主題と変奏を取り入れた。
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【テーマ】
　アパラチアの春』の葛藤の至るところに戦争のテーマが存在する。 中心的な対立は "Fear in the Night"（夜の恐怖）のエピソードから始まる。 ハワード・ポラックは、このシーンはジョン・ブラウンのハーパーズ・フェリー襲撃の精神を表しており、ハズバンドマンが南北戦争で徴兵される原因になりかねないものだと主張した。 さらに、それに続く「怒りの日」のエピソードは、ハズバンドマンが戦争に出発するところと見ることができ、別れの波が描かれている。 "Moment of Crisis "はハズバンドマンへの不安と心配の表現であり、"The Lord's Day "は平和と安全への祈りである。 最後にハズバンドマンが花嫁と再会するとき、ポラックはこれが実は彼女の想像の中であることを示唆しており、地平線に手を伸ばす彼女の最後のしぐさがそれをさらに裏付けている。 マーク・フランコによれば、南北戦争のテーマは、おそらく公民権運動と米国で進行中の人種的不平等を指しているのだという。

　音楽の冒頭では、繊細に配置された不協和音が夢のような風景を作り出している。 コープランドが手がけた台本では、このシーンでは開拓者の女性が「恐ろしくじっと」座って自分の土地を見渡すことになっていた。 エリザベス・クリストは、バレエ全体が開拓者の女の記憶であると推測している。クリストは、音楽の不協和音は開拓者の女が直面した苦難を振り返る様子を描いており、続くエピソードはすべて彼女自身の体験であると示唆している。 冒頭のテーマがバレエの最後に回想されるとき、花嫁は開拓者の女の記憶から切り離され、彼女自身の記憶となる。 第二次世界大戦中の若者たちが南北戦争の世代と似たような状況を目の当たりにしたように、花嫁は19世紀から20世紀にかけての最前線で生きる人々の共通体験を表しているのだ。 グラハムの説明によれば、これは時間の流動性であり、若い世代は古い世代が経験したことの影響を感じるのだという。

　シェーカー教徒のテーマも『アパラチアン・スプリング』には大きく登場する。 この考えは、オリジナルの『勝利の家』の台本にもあり、そこでは開拓者の女は「シェーカー教徒のロッキングチェア」に座っているとされている。 コープランドのシェーカー教徒への興味は新しいものではなく、大恐慌時代にアメリカ芸術の題材としてよく取り上げられるようになったからだ。 コープランドがシェーカー教徒の曲「シンプルな贈り物」を「間奏曲」に入れた後、グラハムは「シェーカー教徒の集会」の可能性として「主の祈り」を加えた。 コープランドは早くから「Simple Gifts」を使うことを決めていた。この曲から基本的なメロディ・モチーフを抽出し、冒頭の小節で初めてそれを参照しながら、曲全体を通してそのバリエーションを創作した。 Simple Gifts」の歌詞は、バレエのテーマである戦時中の平和と追憶と結びついている： 「シンプルであることは才能であり、自由であることは才能である」。
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【音楽とプロット】
《》プロローグ
　バレエはクラリネットの柔らかく静かなイ長調の三和音で始まる。 フルート、ヴァイオリン、ヴィオラが再びイ長調の三和音を重ね、今度はドミナント・コード（ホ長調）を重ねる。 これによって明るい情景が描かれるが、不協和音が危険を予感させる。 コープランドは、ピアノの深いトニックで和音を終わらせ、それに続いて羊飼いの笛のような三和音の反復で、牧歌的な情景をイメージさせる。 トニックのイ長調とドミナントのホ長調からなるこの冒頭の多和音は、多くの旋律や調性の基礎として楽譜全体に見られる。 暗闇の中、まずリバイバリストが登場し、続いてパイオニア・ウーマンがロッキングチェアに座る。 そして、夫と花嫁が入場し、夫が家庭を観察するために立ち止まると、日の光が舞台を照らす。 4人のフォロワーは、パイオニア・ウーマンとともに土地を観察していたリバイバリストと合流する。 グラハムが初期の台本で述べていたように、コープランドは「非軍事的なファンファーレ」を描くために、和音の上方への展開を採用したのである。
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《》エデン・ヴァレー
　娘が家の中から飛び出してくると、アレグロの旋律が炸裂する。 エデン・ヴァレー」のメロディーは、花嫁の喜びを表現するためのもので、初期の台本に書かれていた「昔ながらのスウィング」の要素が使われている。 新しい旋律に続いて、「プロローグ」のポリコードが弾むように再現される。 コラール風の第2主題が第1主題と並んで導入される。 このコラールは声部間のリズムが変則的で、上声部が2拍目を強調するのに対し、下声部は1拍目と3拍目を強調する。 音楽はモデラートに落ち着き、夫人が入ってくると、ギザギザのリズムが彼のぎこちない動きを示すが、穏やかなコラールによって2度中断される。

　二人が家の外に出ると、今度は弦楽器がより力強い新しい主題を伴ってデュエットを踊る。 下降する旋律線がコラールの主題と対比される。この主題のつながりはエピソード全体を通して見られ、登場人物を容易に転換させるためにグラハムが用いたものである。 パイオニア・ウーマンとリバイバリストの祝福を受ける2人。 この部分は、『ロデオ』のカウガールの音楽や、『リンカーンの肖像』の愛のテーマのソフトな部分を彷彿とさせる。終わり近くには、クラリネットがコラールを復活させ、フルートがそれに答えるという、花嫁と夫のコール・アンド・レスポンスがある。 このエピソードを通して、フォロワーたちは様々なグループ・ソロに参加する。グループはしばしば「螺旋を描く」動きをし、膝をついた姿勢になる。 「エデン・ヴァレー」は、フォロワーたちがベンチに戻り、一人ずつ席に着くところで幕を閉じる。 この振付が音楽と密接に結びついていることを示すように、各フォロワーが座る瞬間は、木管楽器の短いモチーフによって合図される。
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《》結婚式の日
　遊び心にあふれた子供のようなメロディがクラリネットから流れ、「Wedding Day」の冒頭を飾り、祝祭の始まりを告げる。 グラハムは、最初の部分に「郡の見本市、リバイバル集会、パーティー、ピクニックのようなちょっとした感覚」を持たせたかったようで、コープランドは音楽をスクエアダンスやバイオリンに関連づけることでこれを実現している。 音楽が重くなり、ギザギザのリズムが夫人のデイヴィ・クロケット風のソロのために戻ってくる。夫人が花嫁を家に運ぶと、落ち着いた音楽の中で愛のテーマが戻ってくる。 Wedding Day》の第2部では、台本にある「昔ながらのチャリバリ」が描かれる。 楽しげで弾むような音楽は、音階とリズムの揺れを用いて、パーティーと祝賀のイメージを喚起する。 花嫁は、第1部の夫の踊りに似た、リズミカルで複雑なソロを踊る。 楽器のセクションは、変化するメーターを素早くジャンプすることで明確に分けられている。 不規則なリズムは一貫した8分音符に置き換えられ、軽快なプレストで始まる。ここでは、ペトルーシュカのような音階の上昇と下降に、ストラヴィンスキーのコープランドへの影響が見られる。 コラールの再現で音楽が落ち着くと、フルキャストが舞台に上がる前に、リバイバリストがフォロワーたちと踊る。 パイオニア・ウーマンの顔に光が当てられ、「シンプルな贈り物」が始まると暗転する。
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《》間奏曲
　コープランドは『アパラチアの春』の大部分を通してシェーカー教徒の歌「Simple Gifts」を使い、「間奏曲」の冒頭で初めて全曲を演奏した。 間奏曲 "では、"Simple Gifts "の4つのヴァリエーションが導入され、ステージの雰囲気に合ったものもある（馬の蹄の音を思わせるヴァリエーションなど）。 ほとんどの変奏曲は、旋律は基本的にそのままで、和声や楽器編成など他の要素を変えている。 この技法は、夫と花嫁が楽しげに踊っている間に、日々の見回りをするさまざまな町の人々の生活を描くためのものだった。 2人はデュエットを通して強く結びついており、アイコンタクト、身体的な触れやすさ、身体の開放感でそれを示している。 途中、リバイバリストとフォロワーたちが加わる。 リヴァイヴァリストのソロは、フォロワーたちの伴奏でファゴットと緊密に連携している。 木管楽器のカノンとして演奏される半速の第4変奏では、リヴァイヴァリストが支配的に二人の陽気なデュエットを見守り、家に入っていく二人を追いかける。
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《》夜の恐怖、怒りの日、危機の瞬間
　夜の恐怖」の音楽は、ビリー・ザ・キッドの「銃撃戦」に似て、神経質に揺れ動く。 ファウザーが言うところの断片的な「スティンガー」が、この速い部分をコープランドのスコアの中で最も「映画的」な部分にしている。 リヴァイヴァリストは帽子を脱ぎ、お辞儀をする夫と花嫁に近づく。 リバイバリストの4人のフォロワーが彼を取り囲み、戦争による夫婦の別れを警告する。 彼の苦悩に満ちた狂乱の踊りは、後のプロダクションでこの役を踊ることになるカンパニーのダンサー、ピーター・スパーリングの "暗い "経験から得たもので、彼の感情的な解釈は、後にこの役を踊るダンサーたちに影響を与えた。 リヴァイヴァリストのソロは、激しい揺れを用いてダンスを伝統的なシェーカー教徒の祭りに関連づける。 この実演は花嫁を怯えさせ、混乱に陥れるが、彼女はすぐに夫人と再会し、愛の危険を受け入れる。

　怒りの日」において、コープランドは「冒頭のアルペジオ・ポリコードをむしろ愛らしくリフし......とらえどころのないビートのズレによって強化した」とファウザーは述べている。 パイオニア・ウーマンは深い怒りを抱き、祈りの後、家に入る。 音楽は、イ長調の『結婚式の日』の歪んだヴァージョンをロ短調のハーモニーの上に重ねたもので、彼が手を振って別れを惜しみ、苦悩を呼び起こす。

　花嫁は「危機の瞬間」の冒頭で必死に舞台を駆け抜け、他の女性たちも一緒になって不安に駆られる。 一貫した16分音符のパターンがオーケストラの中を飛び回り、音楽の方向性は感じられない。 調性は不安定で、他の楽譜でよく使われる調性表現とは異なる。 音楽が落ち着き始めると、コラールが戻り、夫が花嫁と踊るために一時的に戻ってくる。 Simple Gifts」の別のヴァリエーションは、夫がゆっくりと離れていくのを強調し、シェーカー教徒の曲の壮大な最後の復唱は、パイオニアの女性が従者たちと踊る恐怖の終わりを告げる。
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《》主日
　祈りのように」と記された穏やかな賛美歌のような旋律が、共同体が祈りのために集まるときに弦楽器で聴かれる。 コラールは最後にもう一度繰り返され、冒頭のテーマが戻ってくる。 グラハムはこのエピソードを「動きが奇妙で秩序正しく憑依しているシェーカー教徒の集会のような感じもあれば、スピリチュアルな抒情的な恍惚感を持つ黒人教会のような感じもある」と書いている。 花嫁は最後のソロを踊り、手を唇に当て、空に手を伸ばして終わる。 亭主が戻ってきて彼女を短く抱くが、リヴァイヴァリストがやってきて彼の肩に触れる。 プロローグ」の音楽が戻ると、花嫁は開拓者の女が座っていたロッキングチェアに座り、誰もいない舞台を見渡す。 夫は彼女の肩に手を置き、花嫁はクラリネットの最後の音に手を伸ばす。 音楽は冒頭のポリコードでゆっくりと静寂に包まれ、幕が下りる。
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【組曲】
　1945年5月、コープランドはこのバレエを交響楽団のための組曲に編曲し、多くの指揮者が次のシーズンにこの作品を演奏した。 この組曲は同年10月、アルトゥール・ロジンスキー指揮ニューヨーク・フィルハーモニー管弦楽団で初演され、好評を博した。 他のアメリカのオーケストラもこの組曲に興味を示し、サンフランシスコ交響楽団、ピッツバーグ交響楽団、カンザス・シティ・フィルハーモニー管弦楽団、クリーヴランド管弦楽団がそのシーズンにこの組曲を予定した。 この大成功により、（当時ツアー中だった）バレエはさらに人気を博し、コープランドとグラハムは高く評価されるアーティストとしての地位を確立した。オーケストラ組曲のウィーン初演は11月に、オーストラリア初演はその直後に行われた。 1946年1月、マーサ・グラハム・ダンス・カンパニーがニューヨークで新作公演を行い、そのプログラムに「アパラチアの春」が含まれていた。 1946年5月までに、この管弦楽組曲は世界中で演奏されるようになった。

　管弦楽組曲は8つのセクションに分かれており、バレエのエピソード・タイトルの代わりにテンポ記号で名前が付けられている： 「プロローグ」、「エデンの谷」、「結婚式の日」、「間奏曲」、「主の日」。 組曲では、コープランドは物語の葛藤（「夜の恐怖」、「怒りの日」、「危機の瞬間」）を省略したため、これらのエピソードは一般にはなじみが薄く、録音されることはほとんどなかった。 管弦楽組曲の人気は、1954年のバレエ全曲の管弦楽編曲、1956年と1967年の「単純な贈り物」変奏曲の管弦楽編曲など、多くの編曲につながった。 時系列順に並べると、13楽器のためのオリジナル・バレエ、管弦楽のための組曲、13楽器のためのバレエの改訂版、管弦楽のためのバレエの改訂版、13楽器のための組曲である。 管弦楽組曲が最もよく知られている。
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コープランド
Aaron Copland
Wikipedia EN(英語版) URL> https://en.m.wikipedia.org/wiki/Aaron_Copland

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　Aaron Copland (/ˈkoʊplənd/, KOHP-lənd; November 14, 1900 – December 2, 1990) was an American composer, critic, writer, teacher, pianist and later a conductor of his own and other American music. Copland was referred to by his peers and critics as the "Dean of American Composers". The open, slowly changing harmonies in much of his music are typical of what many people consider to be the sound of American music, evoking the vast American landscape and pioneer spirit. He is best known for the works he wrote in the 1930s and 1940s in a deliberately accessible style often referred to as "populist" and which the composer labeled his "vernacular" style. Works in this vein include the ballets Appalachian Spring, Billy the Kid and Rodeo, his Fanfare for the Common Man and Third Symphony. In addition to his ballets and orchestral works, he produced music in many other genres, including chamber music, vocal works, opera and film scores.

　After some initial studies with composer Rubin Goldmark, Copland traveled to Paris, where he first studied with Isidor Philipp and Paul Vidal, then with noted pedagogue Nadia Boulanger. He studied three years with Boulanger, whose eclectic approach to music inspired his own broad taste. Determined upon his return to the U.S. to make his way as a full-time composer, Copland gave lecture-recitals, wrote works on commission and did some teaching and writing. However, he found that composing orchestral music in the modernist style, which he had adopted while studying abroad, was a financially contradictory approach, particularly in light of the Great Depression. He shifted in the mid-1930s to a more accessible musical style which mirrored the German idea of Gebrauchsmusik ("music for use"), music that could serve utilitarian and artistic purposes. During the Depression years, he traveled extensively to Europe, Africa, and Mexico, formed an important friendship with Mexican composer Carlos Chávez and began composing his signature works.

　During the late 1940s, Copland became aware that Stravinsky and other fellow composers had begun to study Arnold Schoenberg's use of twelve-tone (serial) techniques. After he had been exposed to the works of French composer Pierre Boulez, he incorporated serial techniques into his Piano Quartet (1950), Piano Fantasy (1957), Connotations for orchestra (1961) and Inscape for orchestra (1967). Unlike Schoenberg, Copland used his tone rows in much the same fashion as his tonal material—as sources for melodies and harmonies, rather than as complete statements in their own right, except for crucial events from a structural point of view. From the 1960s onward, Copland's activities turned more from composing to conducting. He became a frequent guest conductor of orchestras in the U.S. and the UK and made a series of recordings of his music, primarily for Columbia Records.
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〜［Excerpted from above wikipedia］
〜［上記wikipediaの日本語翻訳は次の通り。翻訳にはアプリ「DeepL」を使用。］
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　アーロン・コープランド（/ˈko↪Ll_nd/, KOHP-lənd、1900年11月14日 - 1990年12月2日）は、アメリカの作曲家、批評家、作家、教師、ピアニストであり、後に自作や他のアメリカ音楽の指揮者でもあった。 同業者や批評家からは「アメリカ人作曲家のディーン」と呼ばれた。 彼の音楽の多くに見られる開放的でゆっくりと変化するハーモニーは、多くの人がアメリカ音楽のサウンドと考える典型的なものであり、広大なアメリカの風景や開拓者精神を想起させる。 1930年代から1940年代にかけて、しばしば「ポピュリスト」と呼ばれ、作曲家自身が「ヴァナキュラー」スタイルと名付けた、意図的に親しみやすいスタイルで書かれた作品で最もよく知られている。 バレエ『アパラチアの春』、『ビリー・ザ・キッド』、『ロデオ』、『庶民のためのファンファーレ』、『交響曲第3番』など。 バレエや管弦楽作品に加え、室内楽、声楽、オペラ、映画音楽など多くのジャンルの音楽を手がけた。

　作曲家のルービン・ゴールドマークに師事した後、コープランドはパリに渡り、まずイシドール・フィリップとポール・ヴィダルに師事、その後著名な教育学者ナディア・ブーランジェに師事した。 彼はブーランジェに3年間師事し、彼の音楽に対する多彩なアプローチに触発されて、彼自身の幅広い趣味を持つようになった。 アメリカに帰国後、フルタイムの作曲家としてやっていくことを決意したコープランドは、レクチャー・リサイタルを開いたり、委嘱作品を書いたり、教育や執筆活動も行った。 しかし、留学中に取り入れたモダニズム様式による管弦楽曲の作曲は、特に世界恐慌の影響から、経済的に矛盾したアプローチであることに気づく。 1930年代半ばには、より親しみやすい音楽スタイルへと移行し、それはドイツにおけるGebrauchsmusik（「利用するための音楽」）の考え方を反映したものであった。 大恐慌時代にはヨーロッパ、アフリカ、メキシコを広く旅し、メキシコの作曲家カルロス・チャベスと重要な友情を結び、代表作の作曲を始めた。

　1940年代後半、コープランドは、ストラヴィンスキーや他の仲間の作曲家たちが、アーノルド・シェーンベルクの十二音（連音）技法を研究し始めていることを知った。 フランスの作曲家ピエール・ブーレーズの作品に触れた彼は、ピアノ四重奏曲（1950年）、ピアノ・ファンタジー（1957年）、管弦楽のための「Connotations」（1961年）、管弦楽のための「Inscape」（1967年）に連弾技法を取り入れた。 シェーンベルクとは異なり、コープランドはトーン・ローを調性素材とほぼ同じ方法で使用した。構造的な観点から重要な出来事を除いては、それ自体が完全なステートメントとしてではなく、メロディーやハーモニーのソースとしてである。 1960年代以降、コープランドの活動は作曲から指揮へと移っていく。 アメリカやイギリスのオーケストラに度々客演するようになり、コロンビア・レコードを中心に彼の音楽の録音を重ねた。
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