2010年是現代爵士樂界的分水嶺，自此變得饒富興味。日本的爵士樂壇尤其如日中天，新生代樂手如黑田卓也、BIGYUKI、挾間美帆和石若駿等冉冉新星嶄露頭角，熱鬧非常。爵士成為日本媒體廣泛報導的主題，其重要程度可見一斑。除了日本，亞洲整個爵士樂界都風起雲湧，蔚為風潮。今天，就讓我們介紹一位來自香港的爵士音樂人。

Alan Kwan （關家傑），是一位在香港土生土長的爵士結他手。接下來，我將引用的他本人的話，繼續介紹這位新星。

2009年，Alan隻身前往北德克薩斯大學（University of North Texas）研習音樂。北德克薩斯大學的爵士系是以超卓教育水準而名聞遐邇的專門學科，培養出如諾拉·瓊絲（Nora Jones）以及 Snarky Puppy 樂隊成員 Michael League 等傑出名人。Alan以優秀成績考上這所大學，並師從諸位名師，包括結他手Fred Hamilton、Eddie Gomez爵士三重奏的鋼琴手 Stefan Karlsson 、鼓手 Ed Soph和結他手 Richard McCrue。Alan表示，在與 Richard McCrue 長達兩年的一對一學習過程中，他學會彈奏音樂的要訣——不要只看樂譜，而是要看著與之演奏的同伴。McCrue 亦教導他要勇於打破規則，不設限制，發展出屬於自己的獨特風格和態度。

從北德克薩斯大學畢業後，Alan前往紐約皇后學院（Queens College）深造，他的老師包括以演奏 Michel Camilo作品而聞名的Michael Mossman，以及 David Berkman ——教材《The Jazz Harmony Book》的作者。在學期間，Alan同時積極參與紐約爵士音樂界的現場演出，汲取表演經驗。Alan說：「我有幸在紐約與多位出色的音樂家共享舞台，例如 Jonathan Kreisberg 和 Mike Moreno 等。皇后學院的教授們都是現役樂手，例如 Paul Bollenback是一位結他手。與其說是受教，其實更多時我得以參與其演出當中。有時他甚至讓我代替其演奏，實在獲益良多。」在紐約演奏的同時，Alan亦與流連當地爵士酒吧 Jazz Gallery的不同音樂家互相交流，這也影響了他後來的創作。

在這裡介紹一下Alan喜歡的音樂，和曾經研究過的音樂吧。

說起結他手，Alan這樣說：「我經常聽 Mike Moreno、Lage Lund和Kurt Rosenwinkel。 而當然 Pat Metheny、Joe Pass、Wes Montgomery、Tal Farlow 和Barney Kessel亦是我喜歡的。Barney Kessel對我來說是特別的存在。」除了研究現代爵士結他手，Alan也會深入鑽研傳統名家。他希望能把從這些青史名留的爵士巨匠身上學到的技巧，融入自身的現代演奏之中。在Alan身上，我們不僅可以聽到像Moreno、Lage和Kurt那種流暢的長音演奏風格，同時亦能感受到他自己獨有的漂浮感。

談到作曲家，Alan提到了這些名字：Wayne Shorter、Herbie Hancock 和 Kurt Rosenwinkel。「我買的第一張Kurt專輯是《Deep Song》；收錄當中的《Brooklyn Sometimes》一曲，對我而言非常特別。聽到 Brad Mehldau在前奏部分加入和弦時，我發現我從未聽過這樣的音樂，思維瞬間發生了變化。Kurt的曲子讓我意識到，現代爵士的作曲不是把各個獨奏部分銜接起來，而是通過結構和編排串聯起來。」

Alan以紐約的爵士現場為中心，曾經與 Billy Childs、Dayna Stephens、Fabian Almazan、Linda May Oh、Johnathan Blake、Orlando Le Fleming和Glenn Zaleski等眾多首屈一指的現代爵士音樂人同台演出。他在2019年發行的專輯《Petrichor》製於他回港前，集紐約現場演出作品之大成。專輯輯錄了多位知名紐約音樂家的音樂，如Dayna Stephens、Fabian Almazan、Linda May Oh和Johnathan Blake等，首首經典。

這張專輯的精彩之處，在於它的整體氛圍和情感都是統一的，讓人得以像欣賞一個連貫的故事一樣，去聆聽整張專輯；同時其音樂亦存在足夠留白，激發聽者無窮想像。專輯不僅有輕鬆悠閒的節奏、透明而輕快的音色和質感，還在演奏中融入緊張感和專注力，不靠堆砌音符，讓人感受到音樂中的空間。對此Alan表示，是自己刻意不去彈奏過多旋律，從而達成的成果。「我希望這專輯能讓聽眾享受到作品整體，而非只關注到結他。」而這張專輯完美體現了此概念。當你細心聆聽此作時，你會明白，Alan不僅是一位結他手，更是一位全方位的藝術家。這張專輯已被提名金曲獎三個獎項，並獲最佳專輯製作人獎，成績斐然。

Alan回到香港後不久，適逢全球疫情肆虐，一切停止運作，導致他本來與日本鋼琴家林正樹共同策劃的合作專輯也被迫延期。在這影響下，他開始探索如何遠程創作音樂，這也是本作《Between Now and Never》誕生的契機。

Alan組成了一個名叫Invisible Architecture的樂隊，以三位製作成員為核心。他最初計畫跟北德克薩斯大學的同學，亦是技術最棒的鼓手 Matt Young 合作，但礙於疫情，他們不得不改為遠程製作。亦正因如此，於是他們想到，何不加入電子與環境音樂元素？確定大致方向後，Alan邀請了擅長合成器的Jordan Gheen加入，而樂曲中的貝斯及薩克斯部分，則分別由同班同學Mike Luzecky，以及 Dayna Stephens 演奏。從錄音到混音、母帶，這個班底用了兩周時間便完成了專輯的製作。話說回來，Alan和Matt Young在大學時期都參與了Aaron Parks 名為「Invisible Cinema」的演奏項目。碰巧這張專輯同樣冠名「Invisible」，亦同樣由影像喚起創作靈感，可說是受到Aaron Parks的啟發之一個致敬。

專輯的音樂方面，我們不僅能聽到爵士音樂人拿手的即興演奏，以合成器為中心的電子音色也佔了很大比重，並加入了大膽的編輯、多軌混音和後期製作。可能這種混合製作出現在爵士音樂人身上，讓人感到意外，但其實此舉在前作《Petrichor》已可見一斑。《Petrichor》也有極簡元素，在某部分加強了混響，明確展現了Alan對於音色上的追求。最重要是，這張專輯隱藏了讓聽眾能夠從「爵士」以外之角度來欣賞的元素。總而言之，這張專輯充滿驚喜，但無疑在此之前，種種跡象已經呈現。

於是，當我向Alan查問有關那些環境音樂和電子音樂元素的靈感來源時，得到了非常值得深入探討的答案。

Alan提到的藝術家們，可以作為解讀《Between Now and Never》的線索。他所提到 「Sky Window」的《.Liftoff》特別讓我感興趣，因我可以從中看到類似《Between Now and Never》的聲音範本。但更有趣的是，加入了Alan的結他和創意後，竟能創造出截然不同的效果。此外，坂本龍一的電影配樂作品，如《Out of Noise》及《Gone Girl》（由Trent Reznor和Atticus Ross製作）的原聲帶，也是Alan的靈感來源。

專輯裡的《Gateway》和《Threshold》沒有使用結他演奏，非常特別。考慮到結他聲的加入會改變整體的音色效果，為了追求完美音色，關氏沒有使用結他，反而加入了在香港街頭錄製的城市聲音，並以其爲基礎，在上大膽進行混音、剪輯，並添加合成器音色等精心製作，是樂曲的一大亮點。

如果想要欣賞Alan作為結他手，獨當一面的技藝，那《Pulse》就是首選。

專輯中的《Lilac》具有獨特的原聲質感，其編曲也相當有趣。

聽完Alan的話後，我感受到《Between Now and Never》實在誕生於一個非常自由的創作環境。專輯全程採用遠程製作，必然受到金錢和製作條件上的限制。但在聆聽此作時，聽眾絲毫感覺不到制約之感。或者說，正是有這樣的製作限制為契機，才得以創造出如此饒富創意的作品。正因專輯在短時間內一氣呵成完成製作，樂手各自的想法都在原生狀態下結合起來，帶來爵士樂常見的生動活潑氣質，給音樂增色不少。這種混合不同元素的音樂，完全凸顯了Alan鮮明的個性。他不僅結合了紐約當代爵士樂的技術和理論背景，與此同時，亦加入了在美國爵士樂未曾出現過的嶄新感覺，極具創意。我從未聽過爵士音樂人能創作出如此另類非凡的音樂作品。回顧Alan的前作《Petrichor》，它雖然運用了紐約爵士音樂家的爵士體裁，但其內容卻並非美國爵士樂界能夠創作出的作品。不論《Petrichor》還是《Between Now and Never》，兩者均體現了Alan由始至終，貫徹如一的哲學和美學理念。也許這些元素在他將來的作品也佔一席位，就讓我們好好期待吧。

中文譯者：Roko Wang
中文校對：譚凱蘭