著名人ではなく総勢158名の一般人の方に出演いただきました。インタビューを通じて、彼らの普段の様子を切り取り、生活をしている中での些細な美しさについて語ってもらいました。著名人を選ばなかった理由として、見ている人に、より身近で自分ごとのように感じてほしいという思いがありました。言葉の意味が深く刺さるようにしたかったんです。

新卒でDRAWING AND MANUALに入社しました。最初はディレクション(監督業)について知らなかったので、会社の先輩ディレクターのアシスタントとして現場について行ってましたね。新卒でしたし、社会にどう馴染むべきなのかを会社の人たちから学ぶという感じでした。撮影もしたかったので、別のディレクターにもついていき、カメラマンもしたり、CGでアニメーション制作もしたりと、色々していましたね。

学生時代は、友達と写真を撮ったり、展示をしたり、クラブでVJをしたり、ウェブサイトを作ったりと映像とは全然違うことをしてましたが、これらが今のベースになっていると思います。多摩美の情報デザイン学科は、自分の好きなことを邁進できるような場所でした。

フレデリックの「たりないeye」のミュージックビデオが印象的です。今一緒にお仕事をよくしている方々が、たまたま集合したプロジェクトでした。カメラマン、プロデューサー、照明、スタイリストなど。

作品をつくる時に大切ににしていることがうまく表現できた作品だったように思います。歌詞 / リズム / 音色 / 曲のタイトルがある中で、どこにコンセプトを持って作っていくかを意識して制作し、うまくいった場所かなと思います。Mr. Children の作品などを手掛けるきっかけになった作品だったのかなという気がしますね。

最近影響を受けている人でいうと、クリエイティブディレクターの高崎卓馬さんです。特にここ最近、広告のお仕事やストーリーを考えることが多いので、そういう思考でもあるんですが。

docomoさんと藤井風さんのプロジェクト「docomo future project」で50本以上の映像を作ったんですが、実はその50本のコピーライトが全く決まってなかったんです。

撮影期間中、果たしてこれが正解なのかなと少し疑問を持ちながら撮っていました。編集段階でも言葉(コピーライト)がなくて腑に落ちない感覚がありました。

そのあとに、高崎さんがコピーライトを作ってくれたんですよね。いただいた言葉を一個一個当てはめていくとすごく映像として強度が増したんです。

当日に僕らが、わからないなりにいろんなことを撮ることで、キャストの味を生かしたコピーライトができたんです。それはとても柔軟ですし、キャストのその人らしさが自然とでて、「計画しすぎないことで、できる良さ」という新しい発見だったと思います。

もう一人は、佐藤卓さんですね。僕が学生の時の教授と仲良しなデザイナーさんで、よく二人が会話している時に僕が横にいたり、21_21でお見かけしたりする機会がよくあったんですが、彼の作るものや思考が好きです。彼は、サーファーなんですけど、人と会話するときに波乗りのように話すんですよね。彼は、大切にする部分と相手を理解するような姿勢を大事にされていて。それは僕が意識していることだなと思っています。

絵のことを気にしている時は、アメリカ人の画家アンドリュー・ワイエスの作品をよく見ていましたね。光の捉え方などを参考にしていました。

ミュージックビデオの打ち合わせの場合、一緒に話した上で決めていくということですかね。相手も同じ気持ちだと思うのですが。

楽曲や歌詞をみて、僕が映像化するならこうだ！と思う自分の考えをはじめにプレゼンさせてもらって、アーティストのアイディを汲み取りながら、話し合いをして方向性を決めていきます。

母校である多摩美術大学で授業を毎週しているのですが、若い世代の方々に、「映像の思考」を持ってもらえるといいなと思っています。映像に興味がない人も含めて。

「映像の思考」って映像の時間をどう操るかという話しだと思っています。
時間をデザインとして捉えた時に、どういうふうに組み立てると人を感動させられるかということだと思います。

まだ、僕自身も探っている部分なので、これから経験し実践していきたいという気持ちと同時に、そういう思考を若い人たちに、提示していきたいです。デザイン思考的な映像の作り方をより多くの人たちができるようになったらいいなと思っています。