【ロビー・ロバートソン】英語版ウィキペディアを日本語で読む【Robbie Robertson】
Jaime Royal "Robbie" Robertson, OC (born July 5, 1943), is a Canadian musician.
Jaime Royal "Robbie" Robertson, OC (1943年7月5日生まれ)は、カナダのミュージシャンである。
He is best known for his work as lead guitarist and songwriter for the Band, and for his career as a solo recording artist.
ザ・バンドのリード・ギタリスト、ソングライターとしての活動、およびソロ・レコーディング・アーティストとしてのキャリアで最もよく知られている。
With the deaths of Richard Manuel in 1986, Rick Danko in 1999, and Levon Helm in 2012, Robertson is one of only two living original members of the Band, with the other being Garth Hudson.
1986年にリチャード・マニュエル、1999年にリック・ダンコ、2012年にレヴォン・ヘルム亡き今、ロバートソンはガース・ハドソンと並ぶバンドのオリジナルメンバーであり、現存する2人のうちの一人である。
Robertson's work with the Band was instrumental in creating the Americana music genre.
ロバートソンのバンドでの活動は、アメリカーナ音楽というジャンルの確立に貢献した。
Robertson has been inducted into the Rock and Roll Hall of Fame and the Canadian Music Hall of Fame as a member of the Band, and has been inducted to Canada's Walk of Fame, both with the Band and on his own.
ロバートソンはバンドのメンバーとしてロックの殿堂とカナダ音楽の殿堂に入り、バンドと単独でカナダのウォーク・オブ・フェイムに殿堂入りしたことがある。
He is ranked 59th in Rolling Stone magazine's list of the 100 greatest guitarists.
ローリング・ストーン誌の「最も偉大なギタリスト100人」では59位にランクインしている。
As a songwriter, Robertson is credited for writing "The Weight", "The Night They Drove Old Dixie Down", "Up on Cripple Creek" with the Band, and had solo hits with "Broken Arrow" and "Somewhere Down the Crazy River", and many others.
ソングライターとしては、ロバートソンはバンドで「The Weight」、「The Night They Drove Old Dixie Down」、「Up on Cripple Creek」を作曲し、ソロでは「Broken Arrow」、「Somewhere Down the Crazy River」などをヒットさせたことで知られる。
He has been inducted into the Canadian Songwriters Hall of Fame, and received a Lifetime Achievement Award from the National Academy of Songwriters.
カナダのソングライターの殿堂入りを果たし、全米ソングライター・アカデミーから生涯功労賞を受賞している。
As a film soundtrack producer and composer, Robertson is known for his collaborations with director Martin Scorsese, which began with the rockumentary film The Last Waltz (1978), and continued through a number of dramatic films, including Raging Bull (1980), The King of Comedy (1983), Casino (1995), The Departed (2006), The Wolf of Wall Street (2013) and The Irishman (2019).
映画のサウンドトラック・プロデューサー、作曲家として、ロバートソンはマーティン・スコセッシ監督とのコラボレーションで知られ、ロック・ドキュメンタリー映画『ラスト・ワルツ』（1978）に始まり、『レイジング・ブル』（1980）、『喜劇王』（1983）、『カジノ』（1995）、『おくりびと』（2006）、『ウルフ・オブ・ウォールストリート』（2013）、『アイルランド男』（2019）などのドラマ映画でコラボレーションを続けている。
He has worked on many other soundtracks for film and television.
その他、映画やテレビのサウンドトラックを数多く手掛けている。
Early life（生い立ち）
Robertson was born Jaime Royal Robertson on July 5, 1943.
ロバートソンは1943年7月5日、ジェイミー・ロイヤル・ロバートソンとして誕生した。
He was an only child.
彼は一人っ子であった。
His mother was Rosemarie Dolly Chrysler, born February 6, 1922.
母親は1922年2月6日生まれのRosemarie Dolly Chrysler。
She was Cayuga and Mohawk, raised on the Six Nations Reserve southwest of Toronto, Ontario.
彼女はカユガ族とモホーク族で、オンタリオ州トロントの南西にあるシックス・ネイションズ保護区で育った。
Chrysler lived with an aunt in the Cabbagetown neighbourhood and worked at the Coro jewellery plating factory.
クライスラーはキャベッジタウン地区の叔母の家に住み、コロの宝石メッキ工場で働いていた。
She met James Patrick Robertson at the factory and they married in 1942.
彼女は工場でジェームズ・パトリック・ロバートソンと出会い、1942年に結婚した。
Rosemarie and James Robertson continued to work at the factory where they met.
ローズマリーとジェームス・ロバートソンは、二人が出会った工場で働き続けた。
The family lived in several homes in different Toronto neighbourhoods when Robbie was a child.
ロビーが子供の頃、一家はトロントの様々な地域にあるいくつかの家に住んでいた。
He often travelled with his mother to the Six Nations Reserve to visit her family.
彼はよく母親と一緒にシックス・ネイションズ保護区に行き、彼女の家族を訪ねた。
It was here that Robertson was mentored in playing guitar by family members, in particular his older cousin Herb Myke.
ロバートソンはここで、家族、特に年上のいとこであるハーブ・マイクからギターの手ほどきを受けた。
He became a fan of rock 'n' roll and R&B through the radio, listening to disc jockey George "Hound Dog" Lorenz play rock 'n' roll on WKBW in Buffalo, New York, and staying up at night to listen to disc jockey John R.'s all-night blues show on WLAC, a clear-channel station in Nashville, Tennessee.
彼はラジオを通じてロックンロールとR&Bのファンになり、ニューヨーク州バッファローのWKBWでディスクジョッキーGeorge "Hound Dog" Lorenzが演奏するロックンロールを聴いたり、テネシー州ナッシュビルのクリアチャンネル局WLACでディスクジョッキーJohn Rが徹夜で演奏するブルースショーを夜中まで聴いていたりしたそうである。
When Robertson was in his early teens, his parents separated.
ロバートソンが10代前半の頃、彼の両親は別居した。
His mother revealed to Robertson that his biological father was not James, but Alexander David Klegerman, a Jewish man whom she had met working at the Coro factory.
母親はロバートソンに、実の父親はジェームズではなく、コロ工場で働いていた時に知り合ったユダヤ人のアレクサンダー・デイヴィッド・クレガーマンであることを明かし、ロバートソンはその事実を知った。
He became a professional gambler and was killed in a hit-and-run accident on the Queen Elizabeth Way.
彼はプロのギャンブラーになり、クイーン・エリザベス・ウェイでひき逃げされて死んだ。
She had been with him while James Robertson was stationed in Newfoundland with the Canadian Army, before she married James.
彼女はジェームズと結婚する前、ジェームズ・ロバートソンがカナダ軍でニューファンドランドに駐留していた時、彼と一緒にいたのだ。
After telling Robertson, his mother arranged for the youth to meet his paternal uncles Morris (Morrie) and Nathan (Natie) Klegerman.
ロバートソンにそう告げた母は、ロバートソンが父方の叔父モリス（モリー）とネイサン（ネイティ）・クレガーマンに会うように手配した。
Career（経歴）
When Robertson was 14, he worked two brief summer jobs in the travelling carnival circuit, first for a few days in a suburb of Toronto, and later as an assistant at a freak show for three weeks during the Canadian National Exhibition.
最初はトロント郊外のカーニバルで数日間、その後はカナダ国営博覧会で3週間、見世物小屋の助手として働いた。
He drew from this for his song "Life is a Carnival" (with the Band) and the movie Carny (1980), which he produced and starred in.
ロバートソンはこの経験をもとに、「Life is a Carnival」（with the Band）という曲を作り、映画『Carny』（1980年）ではプロデューサーと主演を務めた。
The first band Robertson joined was Little Caesar and the Consuls, formed in 1956 by pianist/vocalist Bruce Morshead and guitarist Gene MacLellan.
ロバートソンが最初に参加したバンドは、ピアニスト兼ボーカリストのブルース・モーズヘッドとギタリストのジーン・マクレランが1956年に結成したリトル・シーザー＆ザ・コンサルタンツだった。
He stayed with the group for almost a year, playing popular songs of the day at local teen dances.
彼はこのグループにほぼ1年間在籍し、地元のティーンエイジャーのダンスで当時の人気曲を演奏した。
In 1957 he formed Robbie and the Rhythm Chords with his friend Pete "Thumper" Traynor (who would later found Traynor Amplifiers).
1957年、彼は友人のピート・"タンパー"・トレイナー（後にトレイナー・アンプを設立）と共にロビー・アンド・ザ・リズム・コード（Robbie and the Rhythm Chords）を結成した。
They changed the name to Robbie and the Robots after they watched the film Forbidden Planet and took a liking to the film's character Robby the Robot.
映画『禁断の惑星』を観て、その登場人物であるロボット・ロビーを気に入った彼らは、ロビー・アンド・ザ・ロボッツと改名した。
Traynor customized Robertson's guitar for the Robots, fitting it with antennae and wires to give it a space age look.
トレイナーはロバートソンのギターをロボッツ用にカスタマイズし、アンテナやワイヤーを取り付けて宇宙時代のようなルックスに仕上げた。
Traynor and Robertson joined with pianist Scott Cushnie and became The Suedes.
トレイナーとロバートソンはピアニストのスコット・クシュニーと一緒にザ・スーデスとなる。
At a Suedes show on October 5, 1959, when they played CHUM Radio's Hif Fi Club on Toronto's Merton Street, Ronnie Hawkins first became aware of them and was impressed enough to join them for a few numbers.
1959年10月5日、トロントのマートン・ストリートにあるCHUMラジオのHif Fi Clubに出演したスエデスのライヴで、ロニー・ホーキンスは初めて彼らの存在を知り、数曲参加するほど感銘を受けたという。
With Ronnie Hawkins and the Hawks（ロニー・ホーキンス・アンド・ザ・ホークスと）
Robertson began shadowing Hawkins.
ロバートソンはホーキンスの影武者をするようになった。
After the Suedes opened for the Arkansas-based rockabilly group Ronnie Hawkins and the Hawks at Dixie Arena, Hawkins hired Robertson for the Hawks' road crew.
スエデスがアーカンソーを拠点とするロカビリー・グループ、ロニー・ホーキンス・アンド・ザ・ホークスのためにディキシー・アリーナでオープニングを行った後、ホーキンスはロバートソンをホークスのロード・クルーとして採用した。
Hawkins recorded two songs co-credited to Robertson, "Hey Baba Lou" and "Someone Like You", for his album Mr. Dynamo (1959), and brought Robertson to the Brill Building in New York City to help him choose songs for the rest of the album.
ホーキンスはロバートソンのクレジットで「Hey Baba Lou」と「Someone Like You」の2曲をアルバム『Mr.Dynamo』（1959年）に収録し、ロバートソンをニューヨークのブリルビルに連れて行き、残りのアルバムの曲選びを手伝わせた。
Hawkins hired pianist Scott Cushnie away from the Suedes, and took him on tour in Arkansas with the Hawks.
ホーキンスはスエデスからピアニストのスコット・クシュニーを雇い、ホークスと共にアーカンソーのツアーに同行させた。
When the Hawks' bass player left the group, Cushnie recommended that Hawkins hire Robertson to replace him on bass.
ホークスのベース奏者がグループを脱退すると、クシュニーはホーキンスにロバートソンを雇って彼の代わりのベースを担当するように勧めた。
Hawkins invited Robertson to Arkansas, and then flew to the UK to perform on television there.
ホーキンスはロバートソンをアーカンソーに招き、その後イギリスに飛んで現地のテレビに出演した。
Left in Arkansas, Robertson spent his living allowance on records and practised intensively each day.
アーカンソーに残されたロバートソンは、生活費をレコードに費やし、毎日集中的に練習をした。
Upon returning, Hawkins hired him to play bass.
帰国後、ホーキンスは彼をベース奏者として雇った。
Cushnie left the band a few months later.
数ヵ月後、クシュニーがバンドを脱退。
Robertson soon switched from bass to playing lead guitar for the Hawks.
ロバートソンはすぐにベースからホークスのリード・ギターに転向した。
Robertson developed into a guitar virtuoso.
ロバートソンはギターの名手として成長した。
Roy Buchanan, a few years older than Robertson, was briefly a member of the Hawks and became an important influence on Robertson's guitar style: "Standing next to Buchanan on stage for several months, Robertson was able to absorb Buchanan's deft manipulations with his volume speed dial, his tendency to bend multiple strings for steel guitar-like effect, his rapid sweep picking and his passion for bending past the root and fifth notes during solo flights."
ロバートソンより数歳年上のロイ・ブキャナンは、一時ホークスのメンバーとして活動し、ロバートソンのギター・スタイルに重要な影響を与えた。「数ヶ月間ステージでブキャナンの隣に立っていたロバートソンは、ブキャナンのボリューム・スピード・ダイヤルの巧みな操作、スチール・ギター的効果を狙って複数の弦を曲げる傾向、素早いスイープ・ピッキング、ソロ飛行中にルートと第5音を越えて曲げることへの情熱などを吸収することができた "とある。
Drummer/singer Levon Helm was already a member of the Hawks and soon became close friends with Robertson.
ドラマー兼シンガーのレヴォン・ヘルムはすでにホークスのメンバーであり、すぐにロバートソンと親しい友人となった。
The Hawks continued to tour the United States and Canada, adding Rick Danko, Richard Manuel, and Garth Hudson to the Hawks lineup in 1961.
ホークスはアメリカとカナダのツアーを続け、1961年にはリック・ダンコ、リチャード・マニュエル、ガース・ハドソンをホークスのラインアップに加えた。
This lineup, which later became the Band, toured with Hawkins throughout 1962 and into 1963.
このラインナップは後にバンドとなり、1962年から1963年にかけてホーキンスとツアーを行いた。
They also hired the saxophone player Jerry Penfound and later Bruce Bruno, who were both with the group in their intermediary period as Levon and the Hawks.
また、レヴォンとホークスとしての中間期に在籍していたサックス奏者のジェリー・ペンファウンド、後にブルース・ブルーノを雇い入れた。
Ronnie Hawkins and the Hawks cut sessions for Roulette Records throughout 1961–1963, all of which Robertson appeared on.
ロニー・ホーキンスとホークスは1961年から1963年にかけてルーレット・レコードのためにセッションを行い、その全てにロバートソンが参加している。
The sessions included three singles: "Come Love" b/w "I Feel Good" (Roulette 4400 1961); "Who Do You Love" b/w "Bo Diddley" (Roulette 4483 1963); and "There's A Screw Loose" b/w "High Blood Pressure" (Roulette 4502 1963).
このセッションには3枚のシングルが含まれています。「Come Love" b/w "I Feel Good" (Roulette 4400 1961), "Who Do You Love" b/w "Bo Diddley" (Roulette 4483 1963), そして "There's A Screw Loose" b/w "High Blood Pressure" (Roulette 4502 1963)である。
With Levon and the Hawks（レボン・アンド・ザ・ホークス）
The Hawks left Ronnie Hawkins at the beginning of 1964 to go on their own.
ホークスは1964年の初めにロニー・ホーキンスを脱退し、独立します。
The members of the Hawks were losing interest in playing in the rockabilly style and favoured blues and soul music.
ホークスのメンバーはロカビリー・スタイルでの演奏に興味を失い、ブルースやソウル・ミュージックを好んでいた。
In early 1964, the group approached agent Harold Kudlets about representing them, which he agreed to do, booking them a year's worth of shows in the same circuits as they had been in before with Ronnie Hawkins.
1964年初頭、グループはエージェントのハロルド・クドレッツに彼らの代理人を依頼し、彼はそれを承諾して、以前ロニー・ホーキンスと組んでいたのと同じサーキットで1年間のライブをブッキングした。
Originally dubbed The Levon Helm Sextet, the group included all of the future members of the Band, plus Jerry Penfound on saxophone and Bob Bruno on vocals.
当初はレヴォン・ヘルム・セクステットと呼ばれたこのグループには、後のバンドのメンバー全員に加え、サックスにジェリー・ペンファウンド、ボーカルにボブ・ブルーノが参加していた。
After Bruno left in May 1964, the group changed their name to Levon and the Hawks.
1964年5月にブルーノが脱退した後、グループはレヴォン＆ザ・ホークスに改名した。
Penfound stayed with the group until 1965.
ペンファウンドは1965年までグループに在籍した。
Kudlets kept the group busy performing throughout 1964 and into 1965, finally booking them into two lengthy summer engagements at the popular nightclub Tony Mart's in Somers Point, New Jersey, at the Shore.
クドレットは1964年から1965年にかけてグループを忙しく活動させ、最終的にニュージャージー州サマーズポイントのショアにある人気ナイトクラブ、トニー・マートで夏に2回の長期公演を行うようブッキングした。
They played six nights a week alongside Conway Twitty and other acts.
彼らは、コンウェイ・トゥイティや他のアーティストとともに、週に6晩演奏した。
The members of Levon and the Hawks befriended blues artist John P. Hammond while he was performing in Toronto in 1964.
レヴォンとホークスのメンバーは、1964年にトロントで公演していたブルース・アーティストのジョン・P・ハモンドと親交を深めた。
Later in the year, the group agreed to work on Hammond's album So Many Roads (released in 1965) at the same time that they were playing the Peppermint Lounge in New York City.
その後、ニューヨークのペパーミント・ラウンジで演奏していた時期に、ハモンドのアルバム『So Many Roads』（1965年発売）の制作に参加することになったのだった。
Robertson played guitar throughout the album, and was billed "Jaime R. Robertson" in the album's credits.
ロバートソンはアルバムを通してギターを弾き、アルバムのクレジットでは「Jaime R. Robertson」と表記されている。
Levon and the Hawks cut a single "Uh Uh Uh" b/w "Leave Me Alone" under the name the Canadian Squires in March 1965.
レヴォンとホークスは1965年3月にカナディアン・スクワイアーズ名義でシングル「Uh Uh Uh」b/w「Leave Me Alone」を発表した。
Both songs were written by Robertson.
両曲ともロバートソンが作曲した。
The single was recorded in New York: 66 and released on Apex Records in the United States and on Ware Records in Canada.
このシングルは66年にニューヨークで録音され、アメリカではエイペックス・レコードから、カナダではウェア・レコードからリリースされた。
As Levon and the Hawks, the group cut an afternoon session for Atco Records later in 1965, which yielded two singles, "The Stones I Throw" b/w "He Don't Love You" (Atco 6383) and "Go, Go, Liza Jane" b/w "He Don't Love You" (Atco 6625).
レヴォンとホークスとして、グループは1965年の後半にアトコ・レコードのために午後のセッションを行い、「The Stones I Throw」b/w 「He Don't Love You」(Atco 6383)と「Go, Go, Liza Jane」b/w 「He Don't Love You」(Atco 6625)という2枚のシングルが生まれた。
Robertson also wrote all three of the tracks on Levon and the Hawks' Atco singles.
ロバートソンはレヴォンとホークスのAtcoのシングルに収録された3曲のすべてを作曲している。
With Bob Dylan and the Hawks（ボブ・ディラン・アンド・ザ・ホークス）
1965–1966 World Tour（ワールド・ツアー）
Toward the end of Levon and the Hawks' second engagement at Tony Mart's in New Jersey, in August 1965, Robertson received a call from Albert Grossman Management requesting a meeting with singer Bob Dylan.
1965年8月、レヴォンとホークスがニュージャージーのトニー・マートで2回目のライブを行った終盤、ロバートソンはアルバート・グロスマン・マネジメントから電話を受け、歌手のボブ・ディランとの面会を依頼されます。
The group had been recommended to both Grossman and to Dylan by Mary Martin, one of Grossman's employees; she was originally from Toronto and was a friend of the band.
このグループは、グロスマンの従業員の一人で、トロント出身でバンドの友人でもあったメアリー・マーティンによってグロスマンとディランの両方に推薦された。
Dylan was also aware of the group through his friend John Hammond, whose album So Many Roads members of the Hawks had performed on.
ディランもまた、ホークスのメンバーが参加したアルバム『So Many Roads』に参加していた友人ジョン・ハモンドを通じて、このグループのことを知っていた。
Robertson agreed to meet with Dylan.
ロバートソンはディランと会うことに同意した。
Initially, Dylan intended simply to hire Robertson as the guitarist for his backing group.
当初、ディランはロバートソンを単に自分のバック・グループのギタリストとして雇うつもりだった。
Robertson refused the offer, but did agree to play two shows with Dylan, one at the Forest Hills Tennis Stadium in Forest Hills, New York on August 28, and one at the Hollywood Bowl in Los Angeles on September 3.
ロバートソンはその申し出を断ったが、8月28日にニューヨークのフォレスト・ヒルズのテニス・スタジアムで、9月3日にロサンゼルスのハリウッド・ボウルで、ディランと2回の公演を行うことに同意した。
Robertson suggested they use Levon Helm on drums for the shows.
ロバートソンは、このライヴにレヴォン・ヘルムをドラムに起用することを提案した。
Robertson and Helm performed in Dylan's backing band, along with Harvey Brooks and Al Kooper for both shows.
ロバートソンとヘルム、そしてハーヴェイ・ブルックスとアル・クーパーがディランのバックバンドとして両公演に出演した。
The first at Forest Hills received a predominantly hostile response, but the second in Los Angeles was received slightly more favourably.
フォレスト・ヒルズでの最初の公演は敵対的な反応が多かったが、ロサンゼルスでの2回目の公演は若干好意的に受け取られた。
Dylan flew up to Toronto and rehearsed with Levon and the Hawks September 15–17, as Levon and the Hawks finished an engagement there, and hired the full band for his upcoming tour.
ディランはトロントに飛び、9月15日から17日にかけてレヴォンとホークスとリハーサルを行った。レヴォンとホークスはトロントでの活動を終え、次のツアーのためにフル・バンドを雇ったからである。
Bob Dylan and the Hawks toured the United States throughout October–December 1965, with each show consisting of two sets: an acoustic show featuring only Dylan on guitar and harmonica, and an electric set featuring Dylan backed by the Hawks.
ボブ・ディランとホークスは1965年10月から12月にかけて全米ツアーを行い、各公演はディランのギターとハーモニカのみによるアコースティック・セットと、ホークスをバックにしたディランによるエレクトリック・セットの2つで構成されていた。
The tours were largely met with a hostile reaction from fans who knew Dylan as a prominent figure in the American folk music revival, and thought his move into rock music a betrayal.
このツアーは、ディランをアメリカのフォーク音楽リバイバルの著名な人物として知っているファンから、彼のロックへの移行を裏切り行為と考え、敵対的な反応を受けることが多かったです。
Helm left the group after their November 28 performance in Washington, D.C. Session drummer Bobby Gregg replaced Helm for the December dates, and Sandy Konikoff was brought in to replace Gregg in January 1966.
ヘルムに代わってセッション・ドラマーのボビー・グレッグが12月の公演に参加し、グレッグの後任としてサンディ・コニコフが1966年1月に起用された。
Dylan and the Hawks played more dates in the continental United States in February–March 1966 of the 1966 world tour.
ディランとホークスは1966年のワールド・ツアーのうち、1966年2月から3月にかけてアメリカ本土でさらに公演を行った。
From April 9-May 27, they played Hawaii, Australia, Europe, and the UK and Ireland.
4月9日から5月27日にかけては、ハワイ、オーストラリア、ヨーロッパ、イギリスとアイルランドで演奏した。
Drummer Sandy Konikoff left after the Pacific Northwest dates in March, and Mickey Jones replaced him, staying with the group for the remainder of the tour.
ドラマー、サンディー・コニコフは3月のパシフィック・ノースウエスト公演を最後に脱退し、ミッキー・ジョーンズが彼の後任として残りのツアーに参加した。
The Australian and European legs of the tour received a particularly harsh response from disgruntled folk fans.
オーストラリアとヨーロッパでのツアーは、不満を抱えたフォーク・ファンから特に厳しい反応を受けた。
The May 17 Manchester Free Trade Hall show is best known for an angry audience member audibly yelling "Judas!" at Dylan; it became a frequently-bootlegged live show from the tour, was eventually released officially as The Bootleg Series Vol.
5月17日のマンチェスター・フリー・トレード・ホール公演は、怒った観客がディランに向かって「ユダ！」と叫んだことで有名で、このツアーのライブは頻繁にブートレグされるようになり、最終的には「The Bootleg Series Vol.4」として正式にリリースされた。
4: Bob Dylan Live 1966, The "Royal Albert Hall" Concert.
4: Bob Dylan Live 1966, The "Royal Albert Hall" Concert』として正式にリリースされた。
The European leg of the tour was filmed by documentary filmmaker D. A. Pennebaker, but completion of a planned film was delayed.
このツアーのヨーロッパ公演は、ドキュメンタリー映画監督のD・A・ペネベーカーによって撮影されたが、予定していた映画の完成は遅れた。
After recovering from an accident, Dylan decided to edit it himself.
事故から回復したディランは、自分で編集することにした。
ABC television rejected it, and it was never commercially released.
ABCテレビはこれを拒否し、商業的に公開されることはなかった。
It was screened as Eat the Document in 1972 at the Whitney Museum in New York.
1972年、ニューヨークのホイットニー美術館で『イート・ザ・ドキュメント』として上映された。
On November 30, 1965, Dylan cut a studio session with members of the Hawks, which yielded the non-LP single "Can You Please Crawl Out Your Window?"
1965年11月30日、ディランはホークスのメンバーとスタジオ・セッションを行い、LP以外のシングル "Can You Please Crawl Out Your Window?" を制作した。
Dylan completed the Blonde on Blonde album in Nashville in mid-February 1966, employing Robertson for one of these sessions, which took place on February 14.
ディランは1966年2月中旬にナッシュヴィルでアルバム『ブロンド・オン・ブロンド』を完成させ、そのうちの2月14日に行われたセッションにロバートソンを起用した。
The "Basement Tapes" period（ベースメント・テープス」時代）
On July 29, 1966, Dylan sustained an injured neck from a motorcycle accident, and retreated to a quiet domestic life with his new wife and child in upstate New York.
1966年7月29日、ディランはバイク事故で首を負傷し、ニューヨーク州北部で新妻と子供と静かな家庭生活を営むようになった。
Some of the members of the Hawks were living at the Chelsea Hotel in New York City at the time, and were kept on a weekly retainer by Dylan's management.
ホークスのメンバーの一部は当時ニューヨークのチェルシー・ホテルに住んでおり、ディランのマネージメントによって週一回のリテーナーとして預かっていた。
In February 1967, Dylan invited the members of the Hawks to come up to Woodstock, New York to work on music.
1967年2月、ディランはホークスのメンバーをニューヨークのウッドストックに招き、音楽制作に取り組ませた。
Robertson had met a French-Canadian woman on the Paris stop of Dylan's 1966 world tour, and the two moved into a house in the Woodstock area.
ロバートソンは1966年のディランのワールド・ツアーのパリ公演でフランス系カナダ人の女性と知り合い、2人はウッドストック地区の家に引っ越してきた。
The remaining three members of the Hawks rented a house near West Saugerties, New York; it was later dubbed "Big Pink" because of its pink exterior.
ホークスの残りの3人は、ニューヨーク州ウェスト・ソーガティーズ近くに家を借りたが、そのピンク色の外観から、後に「ビッグ・ピンク」と呼ばれるようになった。
Dylan and the members of the Hawks worked together at the "Big Pink" house every day to rehearse and generate ideas for new songs, many of which they recorded in "Big Pink"'s makeshift basement studio.
ディランとホークスのメンバーは毎日「ビッグ・ピンク」の家で一緒にリハーサルを行い、新曲のアイデアを生み出した。その多くは「ビッグ・ピンク」の間に合わせの地下スタジオで録音された。
The recordings were made between the late spring and autumn of 1967.
レコーディングは1967年の晩春から秋にかけて行われた。
Previous Hawks member Levon Helm returned to the group in August 1967.
1967年8月、ホークスの前メンバー、レヴォン・ヘルム（Levon Helm）がグループに復帰した。
By this time, Robertson's guitar style had evolved to be more supportive of the song and less devoted to displaying speed and virtuosity.
この頃、ロバートソンのギタースタイルは、曲をよりサポートするように進化しており、スピードや名人芸を見せることに専念することはなくなっていた。
In time, word about these sessions began to circulate, and in 1968, Rolling Stone magazine co-founder Jann Wenner brought attention to these tracks in an article entitled "Dylan's Basement Tape Should Be Released".
1968年、ローリング・ストーン誌の共同創設者ジャン・ウェナーは「ディランの地下室テープはリリースされるべき」と題する記事で、このセッションに注目する。
In 1969, a bootleg album with a plain white cover compiled by two incognito music industry insiders featured a collection of seven tracks from these sessions.
1969年、2人の音楽業界のインサイダーが編集した真っ白なジャケットのブートレグ・アルバムに、このセッションから7曲が収録された。
The album, which became known as The Great White Wonder, began to appear in independent record stores and receive radio airplay.
このアルバムは「グレート・ホワイト・ワンダー」と呼ばれ、独立系レコード店に並び始め、ラジオでも放送されるようになった。
This album became a runaway success: 42–46 and helped to launch the bootleg recording industry.
このアルバムは大成功を収めた。 42-46となり、ブートレッグ・レコーディング産業の立ち上げに貢献した。
In 1975, Robertson would produce an official compilation, The Basement Tapes, which included a selection of tracks from the sessions.
1975年、ロバートソンはセッションから選りすぐりのトラックを収録した公式コンピレーション「The Basement Tapes」を制作することになる。
An exhaustive collection of all 138 extant recordings was released in 2014 as The Bootleg Series Vol. 11: The Basement Tapes Complete.
現存する全138枚の音源を網羅的に収録したものが、2014年に『The Bootleg Series Vol.11: The Basement Tapes Complete』として発売された。
With the Band（ウィズ・ザ・バンド）
1967–1968 (Music From Big Pink)（ミュージック・フロム・ビッグ・ピンク）
In late 1967, Dylan left to record his next album, John Wesley Harding (1967).
1967年末、ディランは次のアルバム『ジョン・ウェスリー・ハーディング』（1967年）のレコーディングに出発した。
After recording the basic tracks, Dylan asked Robertson and Garth Hudson about playing on the album to fill out the sound.
基本的なトラックを録音した後、ディランはロバートソンとガース・ハドソンに、サウンドを埋めるためにアルバムで演奏しないかと持ちかけた。
However, when Robertson heard the tracks, he liked the starkness of the sound and recommended that Dylan leave the songs as they were.
しかし、トラックを聴いたロバートソンは、その音の荒々しさを気に入り、ディランにそのままの曲を残すように勧めた。
Dylan worked with the members of the Hawks again when they appeared as his backup band at two Woody Guthrie memorial concerts at Carnegie Hall in New York City in January 1968.
ディランはホークスのメンバーと、1968年1月にニューヨークのカーネギーホールで行われた2つのウディ・ガスリー記念コンサートにバックバンドとして出演した際に再び仕事をした。
Three of these performances were later released by Columbia Records on the LP A Tribute to Woody Guthrie, Vol.
これらの演奏のうち3曲は、後にコロンビア・レコードからLP『A Tribute to Woody Guthrie, Vol.
1 (1972).
1 (1972).
Over the course of the "Basement Tapes" period, the group had developed a sound of their own, and Grossman went to Los Angeles to shop the group to a major label, securing a contract with Capitol Records.
ベースメント・テープス」の期間中、グループは独自のサウンドを開発し、グロスマンはグループをメジャー・レーベルに売り込むためにロサンゼルスに行き、キャピトル・レコードとの契約を取り付けた。
The group went to New York to begin recording songs with music producer John Simon.
グループはニューヨークへ行き、音楽プロデューサーのジョン・サイモンのもとで曲のレコーディングを始めた。
Capitol brought the group to Los Angeles to finish the album.
キャピトルはアルバムを完成させるため、グループをロサンゼルスに呼び寄せた。
The resulting album, Music From Big Pink, was released in August 1968.
出来上がったアルバム『ミュージック・フロム・ビッグ・ピンク』は、1968年8月に発売された。
Robertson wrote four of the songs on Music From Big Pink, including "The Weight", "Chest Fever", "Caledonia Mission," and "To Kingdom Come".
ロバートソンは「The Weight」、「Chest Fever」、「Caledonia Mission」、「To Kingdom Come」など、「Music From Big Pink」の4曲を作曲している。
Robertson is listed in the songwriting credits as "J.R. Robertson".
ロバートソンは作曲クレジットに「J.R.ロバートソン」として記載されている。
Robertson sang lead vocal on the track "To Kingdom Come"; he would not sing on another Band song released to the public until "Knockin' Lost John" on 1977's Islands.
ロバートソンは「To Kingdom Come」でリード・ヴォーカルをとっており、1977年の『Islands』に収録されている「Knockin' Lost John」まで、バンドが世に出した他の曲で歌うことはなかった。
Two of Robertson's compositions for the album, "The Weight" and "Chest Fever", would become important touchstones in the group's career.
このアルバムのためにロバートソンが作曲した2曲、「The Weight」と「Chest Fever」は、グループのキャリアにおける重要な試金石となった。
"The Weight" was influenced by the films of director Luis Buñuel, in particular Nazarín (1959) and Viridiana (1961), and reflects the recurring theme in Buñuel's films about the impossibility of sainthood.
The Weight」はルイス・ブニュエル監督の映画、特に「Nazarín」（1959年）と「Viridiana」（1961年）に影響を受け、ブニュエルの映画に繰り返し出てくる聖人になることの不可能性というテーマを反映したものである。
The song portrays an individual who attempts to take a saintly pilgrimage, and becomes mired down with requests from other people to do favors for them along the way.
この曲は、聖人巡礼をしようとする個人が、途中で他人から頼まれごとをされて泥沼にはまる姿を描いている。
The mention of "Nazareth" at the beginning of the song refers to Nazareth, Pennsylvania, where the C. F. Martin & Company guitar manufacturer is located; it was inspired by Robertson seeing the word "Nazareth" in the hole of his Martin guitar.
曲の冒頭に出てくる「ナザレ」は、ギターメーカーのC.F.マーチン社があるペンシルベニア州ナザレのことで、ロバートソンがマーチンギターのホールに「Nazareth」と書かれているのを見て思いついたものである。
Although "The Weight" reached #21 on the British radio charts, it did not fare as well on the American charts, initially stalling at #63.
The Weight」はイギリスのラジオ・チャートで21位を記録したが、アメリカのチャートではうまくいかず、最初は63位で足踏みしていた。
But the song gained traction following more successful covers by Jackie DeShannon (US #55, 1968), Aretha Franklin (US #19, 1969), and the Supremes with the Temptations (US #46, 1969), and the song's inclusion in the movie Easy Rider (1969), which became a runaway success.
しかし、ジャッキー・デシャノン（1968年、全米55位）、アレサ・フランクリン（1969年、全米19位）、スプリームスとテンプテーションズのカバー（1969年、全米46位）がさらに成功し、この曲が映画『イージー・ライダー』（1969年）に収録され、大成功したことで支持を得るようになった。
"The Weight" has since become the Band's best known song.
The Weight はその後、バンドの最も有名な曲となった。
It has been covered by many artists, appeared in dozens of films and documentaries, and has become a staple in American rock music.
多くのアーティストにカバーされ、何十本もの映画やドキュメンタリーに登場し、アメリカン・ロックの定番曲となった。
When Music from Big Pink was released in 1968, the Band initially avoided media attention, and discouraged Capitol Records from promotional efforts.
1968年に『ミュージック・フロム・ビッグ・ピンク』が発売されたとき、バンドは当初メディアの注目を避け、キャピトル・レコードに宣伝活動を思いとどまらせた。
They also did not immediately pursue touring to support the album, and declined to be interviewed for a year.
また、アルバムを引っさげたツアーもすぐには行わず、1年間はインタビューにも応じなかった。
The resulting mystery surrounding the group prompted speculation in the underground press.
その結果、バンドを取り巻く謎は、アンダーグラウンド・プレスの憶測を呼ぶことになった。
Music from Big Pink received excellent reviews, and the album influenced many well-known musicians of the period.
Music from Big Pinkは素晴らしい評価を受け、このアルバムは当時の多くの有名なミュージシャンに影響を与えた。
1969 The Band（ザ・バンド）
In early 1969, the Band rented a home from Sammy Davis Jr. in Hollywood Hills, and converted the pool house behind it into a studio to recreate the "clubhouse" atmosphere that they had previously enjoyed at "Big Pink".
1969年初頭、バンドはハリウッド・ヒルズにあるサミー・デイヴィス・ジュニアの家を借り、その裏にあったプールハウスをスタジオに改造し、それまで「ビッグ・ピンク」で楽しんでいた「クラブハウス」のような雰囲気を再現することに成功した。
The band began recording every day in the pool house studio, working on a tight schedule to complete the album.
バンドはプールハウスのスタジオで毎日レコーディングを始め、タイトなスケジュールでアルバムを完成させた。
An additional three tracks were recorded at The Hit Factory in New York in April 1969.
1969年4月には、ニューヨークのヒット・ファクトリーで3曲の追加録音が行われた。
Robertson did most of the audio engineering on the album.
ロバートソンは、このアルバムのオーディオ・エンジニアリングのほとんどを担当した。
The Band began performing regularly in spring 1969, with their first live dates as the Band taking place at the Winterland Ballroom in San Francisco.
バンドは1969年春に定期的な演奏を開始し、バンドとしての最初のライブはサンフランシスコのWinterland Ballroomで行われた。
Their most notable performances that year were at the 1969 Woodstock Festival and the UK Isle of Wight Festival with Bob Dylan in August.
この年の彼らの最も注目すべきパフォーマンスは、1969年のウッドストック・フェスティバルと、8月にボブ・ディランと共演したイギリスのワイト島フェスティバルであった。
The Band's album The Band was released in September 1969, and became a critical and commercial success.
1969年9月に発売されたザ・バンドのアルバム『ザ・バンド』は、批評家からも商業的にも成功を収めた。
The album received almost universal critical praise, peaked at #9 on the US pop charts, and stayed in the Top 40 for 24 weeks.
このアルバムはほぼ全世界で批評家の賞賛を受け、全米ポップチャートで9位を記録し、24週間トップ40に留まった。
The Band works as a loose concept album of Americana themes, and was instrumental in the creation of the Americana music genre.
アメリカーナをテーマにした緩やかなコンセプト・アルバムとして機能し、アメリカーナという音楽ジャンルの創造に貢献した。
It was included in the Library of Congress' National Recording Registry in 2009.
2009年に米国議会図書館のナショナル・レコーディング・レジストリに登録された。
The song from this album that had the strongest cultural influence was "The Night They Drove Old Dixie Down".
このアルバムの中で最も文化的な影響を与えた曲は、「The Night They Drove Old Dixie Down」である。
The song explores a Confederate man's life after defeat of the South following the American Civil War.
この曲は、アメリカ南北戦争後の南部敗戦後の南軍の男の人生を描いている。
It incorporates historical events to create a larger American mythos.
歴史的な出来事を織り込み、より大きなアメリカの神話を作り上げている。
Although the Band's original version was not released as a single, a cover version by Joan Baez went to #3 on the charts in 1971 and helped to popularize the song.
バンドのオリジナル版はシングルとしてリリースされなかったが、ジョーン・バエズによるカバー版が1971年のチャートで3位となり、この曲の普及に一役買った。
Several other tracks from The Band received significant radio airplay, and would become staples in the group's concert appearances.
ザ・バンドの他のいくつかの曲はラジオで大きく放送され、グループのコンサート出演の際の定番曲となった。
"Up on Cripple Creek" peaked at #25 in late 1969 in the United States, and would be their only Top 30 hit there.
Up on Cripple Creek は1969年末に米国で25位を記録し、彼らの唯一のトップ30ヒットとなった。
"Rag Mama Rag" reached #16 in the UK in April 1970, the highest chart position of any single by the group in that country.
1970年4月、"Rag Mama Rag "は英国で16位となり、同国でのグループのシングルとしては最高のチャート位置を獲得した。
"Whispering Pines", co-written by Richard Manuel, was released as a single in France in 1970, and would become the title of a 2009 book about Canadian contributions to the Americana music genre by Jason Schneider.
リチャード・マニュエルと共作した "Whispering Pines "は、1970年にフランスでシングルとしてリリースされ、2009年にジェイソン・シュナイダーがアメリカーナ音楽ジャンルへのカナダの貢献について書いた本のタイトルとなった。
On November 2, 1969, the Band appeared on the Ed Sullivan Show, one of only two television appearances they would make.
1969年11月2日、バンドはエド・サリヴァン・ショーに出演。
1970–1973 (Stage Fright through Moondog Matinee)（『ステージ・フレイト』～『ムーンドッグ・マチネー』）
On January 12, 1970, the Band was featured on the cover of Time magazine.
1970年1月12日、バンドは『タイム』誌の表紙を飾った。
This was the first time a North American rock band featured on the cover of the magazine.
これは、北米のロックバンドが同誌の表紙を飾った初めてのケースだった。
The Band rented The Woodstock Playhouse in Woodstock, New York with the intent of recording a new live album there, but the city council voted against it, so they recorded on location, but without an audience.
バンドはニューヨーク州ウッドストックにあるウッドストック・プレイハウスを借り、そこで新しいライブアルバムを録音するつもりだったが、市議会が反対したため、観客のいないロケ地でレコーディングを行った。
Robertson handled most of the songwriting duties as before.
曲作りの大半はこれまで通りロバートソンが担当した。
Robertson brought in Todd Rundgren to engineer the album which was recorded in two weeks' time.
ロバートソンは、トッド・ラングレンをエンジニアに迎え、2週間でレコーディングを完了させた。
These sessions became their third album, Stage Fright, which would become the Band's highest charting album, peaking at #5 on September 5 and staying in the Billboard Top 40 for 14 weeks.
このセッションは3枚目のアルバム『Stage Fright』となり、9月5日に最高5位を記録し、ビルボード・トップ40に14週間ランクインし、バンドにとって最高のチャートイン・アルバムとなった。
The Band's next album, Cahoots, was recorded at Albert Grossman's newly built Bearsville Studios and was released in October 1971.
バンドの次のアルバム『Cahoots』は、アルバート・グロスマンが新しく建設したベアーズヴィル・スタジオで録音され、1971年10月にリリースされた。
The album received mixed reviews, and peaked at #24 on the Billboard charts, only remaining in the Billboard Top 40 for five weeks.
このアルバムは様々な評価を受け、ビルボードチャートで24位を記録し、ビルボードトップ40には5週間しか残らなかった。
Cahoots is notable for its cover of Bob Dylan's "When I Paint My Masterpiece", as well as for featuring the concert favourite "Life Is a Carnival".
Cahoots』は、ボブ・ディランの「When I Paint My Masterpiece」のカバーと、コンサートで人気の「Life Is a Carnival」を収録していることが特徴である。
The inclusion of "When I Paint My Masterpiece" came about when Dylan stopped by Robertson's home during the recording of Cahoots and Robertson asked if he might have any songs to contribute.
ディランが『Cahoots』のレコーディング中にロバートソンの家に立ち寄り、ロバートソンから何か曲がないかと尋ねられたことがきっかけで、「When I Paint My Masterpiece」が収録されることになった。
That led to Dylan playing an unfinished version of "When I Paint My Masterpiece" for him.
それがきっかけで、ディランは「When I Paint My Masterpiece」の未完成版を演奏して聞かせた。
Dylan completed the song soon afterwards, and the Band recorded it for the album.
ディランはその後すぐにこの曲を完成させ、バンドはこのアルバムのために録音した。
"Life Is a Carnival" features horn parts written by producer and arranger Allen Toussaint.
Life Is a Carnival は、プロデューサー兼アレンジャーのアレン・トゥーサンがホーン・パートを書き下ろした。
It would be the only track from Cahoots the group would keep in their set list through to The Last Waltz concert and film.
この曲は、『Cahoots』から『The Last Waltz』のコンサートと映画まで、バンドがセットリストに入れ続けた唯一の曲となった。
The Band continued to tour throughout 1970-71.
バンドは1970年から71年にかけてツアーを続けた。
A live album recorded at a series of shows at the Academy of Music in New York City between December 28–31, 1971, was released in 1972 as the double album Rock Of Ages.
1971年12月28日から31日にかけてニューヨークのアカデミー・オブ・ミュージックで行われた一連の公演で録音されたライブ・アルバムは、1972年にダブル・アルバム『Rock Of Ages』としてリリースされた。
Rock of Ages peaked at #6, and remained in the Top 40 for 14 weeks.
Rock Of Agesは最高6位を記録し、14週間トップ40にとどまった。
After the Academy of Music shows, the Band again retreated from performing live.
アカデミー・オブ・ミュージックでのライヴの後、バンドは再びライヴ活動から撤退する。
They returned to the stage on July 28, 1973, to play the Summer Jam at Watkins Glen alongside the Allman Brothers Band and the Grateful Dead.
1973年7月28日、ワトキンス・グレンで行われたSummer Jamでオールマン・ブラザーズ・バンドやグレイトフル・デッドと共演し、ステージに戻ってきた。
A recording of the Band's performance was released by Capitol Records as the album Live at Watkins Glen in 1995.
このときの演奏の録音は、1995年にキャピトル・レコードからアルバム『Live at Watkins Glen』として発売された。
With over 600,000 people in attendance, the festival set a record for "Pop Festival Attendance" in the Guinness Book of World Records.
60万人以上の観客を動員したこのフェスティバルは、ギネスブックに「ポップフェスティバルの観客動員数」として記録された。
The record was first published in the 1976 edition of the book.
この記録は、1976年版の本に初めて掲載された。
In October 1973, the Band released an album of cover songs entitled Moondog Matinee, which peaked at #28 on the Billboard charts.
1973年10月、バンドは『ムーンドッグ・マチネー』というカバー曲のアルバムをリリースし、ビルボードチャートで28位を記録した。
Around the time of the recording of Moondog Matinee, Robertson began working on an ambitious project entitled Works that was never finished or released.
Moondog Matineeのレコーディングと前後して、ロバートソンはWorksと名付けられた野心的なプロジェクトに取り組み始めたが、これは完成も発表もされなかった。
One lyric from the Works project, "Lay a flower in the snow," was used in Robertson's song "Fallen Angel", which appeared on his 1987 self-titled solo album.
ワークス・プロジェクトの歌詞のひとつ「Lay a flower in the snow」はロバートソンの曲「Fallen Angel」に使われ、1987年のセルフ・タイトルのソロ・アルバムに収録された。
1974 Reunion with Bob Dylan (Planet Waves and Before the Flood)（ボブ・ディランとの再会（プラネット・ウェイブス、ビフォア・ザ・フラッド））
In February 1973, Bob Dylan relocated from Woodstock, New York to Malibu, California.
1973年2月、ボブ・ディランはニューヨークのウッドストックからカリフォルニアのマリブに移転した。
Coincidentally, Robertson moved to Malibu in the summer of 1973, and by October of the year the rest of the members of the Band had followed suit, moving into properties near Zuma Beach.
偶然にも、ロバートソンは1973年の夏にマリブに移り住み、その年の10月にはバンドの他のメンバーもそれに続き、ズマビーチ近くの物件に引っ越した。
David Geffen had signed Dylan to Asylum Records, and worked with promoter Bill Graham on the concept that would become the Bob Dylan and the Band 1974 Tour.
デヴィッド・ゲフィンはディランとアサイラム・レコードを契約し、プロモーターのビル・グラハムと共同でボブ・ディラン・アンド・ザ・バンド1974年ツアーの構想を練っていた。
It would be Dylan's first tour in more than seven years.
これはディランにとって7年以上ぶりのツアーとなった。
Meanwhile, Bill Graham took out a full-page advertisement for the Bob Dylan and the Band tour in The New York Times.
一方、ビル・グラハムは、ニューヨーク・タイムズ紙に「ボブ・ディラン・アンド・ザ・バンド」ツアーの全面広告を掲載した。
The response was one of the largest in entertainment history up to that point, with between 5 and 6 million requests for tickets mailed in for 650,000 seats.
その反響は、それまでのエンターテインメント史上最大級で、65万席のチケットに500万から600万通の申し込みが郵送されたという。
Graham's office ended up selling tickets off on a lottery basis, and Dylan and the Band netted $2 million from the deal.
結局、グラハムの事務所が抽選でチケットを販売し、ディランとバンドは200万ドル（約3億円）の利益を得た。
Amongst the rehearsals and preparations, the Band went into the studio with Bob Dylan to record a new album for Asylum Records that would become the Bob Dylan album Planet Waves (1974).
リハーサルや準備の一方で、バンドはボブ・ディランと共にスタジオに入り、ボブ・ディランのアルバム『プラネット・ウェイヴス』（1974年）となるアサイラム・レコードの新アルバムを録音した。
Sessions took place at Village Recorder in West Los Angeles, California, from November 2–14, 1973.
セッションは1973年11月2日から14日まで、カリフォルニア州ウェスト・ロサンゼルスのヴィレッジ・レコーダーで行われた。
Planet Waves was released on February 9, 1974.
プラネット・ウェイヴス』は1974年2月9日にリリースされた。
The album was #1 on the Billboard album charts for four weeks, and spent 12 weeks total in the Billboard Top 40.
このアルバムはビルボードのアルバム・チャートで4週間1位を獲得し、ビルボード・トップ40に合計12週間ランクインした。
Planet Waves was Bob Dylan's first #1 album, and the first and only time Bob Dylan and the Band recorded a studio album together.
プラネット・ウェイヴス』はボブ・ディランにとって初の1位獲得作品であり、ボブ・ディランとバンドが一緒にスタジオ・アルバムを録音した最初で唯一の機会でもあった。
The 1974 tour began at the Chicago Stadium on January 3, 1974, and ended at The Forum in Inglewood, California on February 14.
1974年のツアーは1月3日のシカゴ・スタジアムから始まり、2月14日のカリフォルニア州イングルウッドのザ・フォーラムで幕を閉じた。
The shows began with more songs from the new Planet Waves album and with covers that Dylan and the Band liked, but as the tour went on, they moved toward playing older and more familiar material, only keeping "Forever Young" from the Planet Waves album in the set list.
ライヴは、新しいアルバム『Planet Waves』からの曲やディランとバンドが好きなカヴァー曲で始まったが、ツアーが進むにつれ、古い曲や馴染みのある曲を演奏する方向に向かい、『Planet Waves』からの「Forever Young」だけはセットリストに残していた。
Dylan and the Band played a number of tracks from the controversial 1965–1966 World Tour, this time to wildly enthusiastic response from the audience where there had been mixed reaction and boos a mere nine years previously.
ディランとバンドは、物議を醸した1965年から1966年のワールド・ツアーから数曲演奏し、わずか9年前には複雑な反応とブーイングがあった観客から、この時は熱狂的な反応を得たのである。
The final three shows of the tour at The Forum in Inglewood, California were recorded and assembled into the double album Before the Flood.
カリフォルニア州イングルウッドのザ・フォーラムで行われたツアーの最終3公演は、ダブルアルバム『Before the Flood』として録音され、組み合わされた。
Credited to "Bob Dylan/The Band", Before the Flood was released by Asylum Records on July 20, 1974.
ボブ・ディラン／ザ・バンド」のクレジットで、1974年7月20日にアサイラム・レコードから発売された『Before the Flood』。
The album debuted at #3 on the Billboard charts, and spent ten weeks in the Top Forty.
このアルバムはビルボードチャートで3位に初登場し、10週間トップ40にランクインした。
1974–1975 (Shangri-La Studios, The Basement Tapes, and Northern Lights – Southern Cross)（シャングリ・ラ・スタジオ、ザ・ベースメント・テープス、オーロラ～サザン・クロス）
Following the 1974 reunion tour with Bob Dylan, rock manager Elliot Roberts booked the Band with the recently reunited Crosby, Stills, Nash, and Young.
1974年のボブ・ディランとの再結成ツアーの後、ロック・マネージャーのエリオット・ロバーツは、再結成したばかりのクロスビー、スティルス、ナッシュ、ヤングと一緒にバンドをブッキングした。
On September 4, both artists played Wembley Stadium in London, appearing with Jesse Colin Young and Joni Mitchell.
9月4日、両者はロンドンのウェンブリー・スタジアムで、ジェシー・コリン・ヤングとジョニ・ミッチェルと共演した。
After moving to Malibu in 1973, Robertson and the Band had discovered a ranch in Malibu near Zuma Beach called "Shangri-La", and decided to lease the property.
1973年にマリブに移住したロバートソンとバンドは、マリブでズマビーチ近くの「シャングリラ」という牧場を発見し、その土地を借りることにしていた。
The main house on the property had originally been built by Lost Horizon (1937) actress Margo Albert, and the ranch had been the filming and stabling site for the Mister Ed television show in the 1960s.
この牧場の母屋は、もともと『ロスト・ホライズン』（1937年）の女優マーゴ・アルバートが建てたもので、1960年代にはテレビ番組『ミスター・エド』の撮影と馬小屋の場所でもあった。
In the interim, the house had served as a high-class bordello.
その間、この家は高級売春宿として利用されていた。
The album release of The Basement Tapes, credited to Bob Dylan and the Band, was the first album production that took place in the new studio.
ボブ・ディランとバンドが参加した「ベースメント・テープス」のアルバムは、この新しいスタジオで制作された最初のアルバムであった。
The album, produced by Robertson, featured a selection of tapes from the original 1967 Basement Tapes sessions with Dylan, as well as demos for tracks eventually recorded for Music From Big Pink album.
ロバートソンがプロデュースしたこのアルバムには、1967年にディランと行ったベースメント・テープスのオリジナル・セッションのテープや、アルバム『ミュージック・フロム・ビッグ・ピンク』に収録された曲のデモ音源が使用されている。
Robertson cleaned up the tracks, and the album was released in July 1975.
ロバートソンはトラックをクリーンアップし、このアルバムは1975年7月にリリースされた。
Shangri-La Studios proved to be a return to a clubhouse atmosphere that the Band had enjoyed previously at Big Pink, and in the spring of 1975, the group began work on Northern Lights – Southern Cross, their first release of original material in four years.
シャングリ・ラ・スタジオは、バンドが以前Big Pinkで楽しんでいたクラブハウスのような雰囲気を取り戻し、1975年の春、グループは4年ぶりにオリジナル曲をリリースする『Northern Lights - Southern Cross』の制作を開始した。
One of the best known tracks on the album is "Acadian Driftwood", the first song with specifically Canadian subject material.
このアルバムで最もよく知られている曲のひとつが、特にカナダを題材にした最初の曲である「Acadian Driftwood」である。
Robertson was inspired to write "Acadian Driftwood" after seeing the documentary L'Acadie, l'Acadie (1971) on Canadian television while in Montreal.
ロバートソンはモントリオールに滞在中、カナダのテレビでドキュメンタリー映画『L'Acadie, l'Acadie』（1971年）を見て、「Acadian Driftwood」を書く気になったそうだ。
Two other notable tracks from that album are "It Makes No Difference" and "Ophelia".
そのアルバムからは他に「It Makes No Difference」と「Ophelia」の2曲が注目されている。
Northern Lights – Southern Cross was released on November 1, 1975.
Northern Lights - Southern Cross は1975年11月1日にリリースされた。
The album received generally positive reviews, and reached #26 on the Billboard charts, remaining in the Top 40 for five weeks.
このアルバムはおおむね好評で、ビルボードチャートで26位となり、5週間トップ40にとどまった。
1976 (Islands and The Last Waltz concert)（アイランズ、ザ・ラスト・ワルツ・コンサート）
The Band began touring again in June 1976, performing throughout the summer.
バンドは1976年6月に再びツアーを開始し、夏の間中演奏した。
The members of the Band were splintering off to work on other projects, with Levon Helm building a studio in Woodstock and Rick Danko having been contracted to Arista Records as a solo artist.
レヴォン・ヘルムはウッドストックにスタジオを建て、リック・ダンコはソロ・アーティストとしてアリスタ・レコードと契約していたため、バンドのメンバーは他のプロジェクトに取り組むために分派していたのである。
While on the summer tour, member Richard Manuel was involved in a boating accident that severely injured his neck, and ten dates of the 25-date tour were cancelled.
夏のツアー中、メンバーのリチャード・マニュエルがボート事故に巻き込まれ、首に重傷を負い、25日間のツアーのうち10日間がキャンセルされた。
It was during this time period that Robertson introduced the concept that the Band would cease to operate as a touring act.
この時期にロバートソンは、バンドがツアー活動を停止するという構想を打ち出した。
According to Robertson, the group's mutual agreement was that they would stage one final "grand finale" show, part ways to work on their various projects, and then regroup.
ロバートソンによると、バンドは最後の「グランド・フィナーレ」公演を行い、様々なプロジェクトに取り組むために別れ、その後再結成するというのがお互いの合意事項であったという。
Helm later made the case in his autobiography, This Wheel's on Fire, that Robertson had forced the Band's breakup on the rest of the group.
ヘルは後に自伝『This Wheel's on Fire』の中で、ロバートソンがバンドの解散を他のメンバーに強要したと主張している。
Concert promoter Bill Graham booked the Band at the Winterland Ballroom on Thanksgiving Day, November 25, 1976.
コンサートプロモーターのビル・グラハムは、1976年11月25日の感謝祭の日に、ウィンターランド・ボールルームでバンドをブッキングした。
The show was intended as a gala event, with ticket prices of $25 per person.
このショーはガライベントとして企画され、チケットは1人25ドルだった。
The event would include a Thanksgiving dinner served to the audience, and would feature the Band performing with various musical guests.
このイベントでは、観客に感謝祭のディナーが振る舞われ、バンドがさまざまな音楽ゲストと共演する予定だった。
The onstage guest list included Ronnie Hawkins, Muddy Waters, Paul Butterfield, Dr. John, Bob Dylan, Eric Clapton, Van Morrison, Neil Diamond, Joni Mitchell, Neil Young, Emmylou Harris, and others.
ステージ上のゲストには、ロニー・ホーキンス、マディ・ウォーターズ、ポール・バターフィールド、ドクター・ジョン、ボブ・ディラン、エリック・クラプトン、ヴァン・モリソン、ニール・ダイヤモンド、ジョニ・ミッチェル、ニール・ヤング、エミルー・ハリスなど、そうそうたる顔ぶれが並びた。
Robertson wanted to document the event on film, and approached director Martin Scorsese to see if he would be interested in shooting the concert.
ロバートソンは、このイベントを映像で記録したいと考え、マーティン・スコセッシ監督にコンサートを撮ってもらえないか打診した。
The Winterland concert was called The Last Waltz.
ウィンターランドのコンサートは、「ラスト・ワルツ」と名付けられた。
Robertson and Scorsese developed a 200-page script for the show, listing out in columns the lyrics of the songs, who was singing what part, and what instruments were being featured.
ロバートソンとスコセッシは、このコンサートのために200ページもの台本を作った。歌詞はもちろん、誰がどのパートを歌うのか、どんな楽器が登場するのかなどをコラムで書き連ねていく。
It included columns for the camera and lighting work.
また、カメラや照明の使い方も書いてある。
Scorsese brought in all-star cameramen such as Michael Chapman, László Kovács and Vilmos Zsigmond to film the show in 35mm.
スコセッシは、マイケル・チャップマン、ラースロー・コヴァーチ、ヴィルモス・ジグモンドといった豪華なカメラマンを呼び寄せ、35mmフィルムで撮影を行った。
John Simon, producer on the Band's first two albums, was brought in to coordinate rehearsals and work as musical director.
リハーサルの調整と音楽監督には、バンドの最初の2枚のアルバムのプロデューサーだったジョン・サイモンが起用された。
Boris Leven was brought in as art director.
ボリス・レーベンがアートディレクターとして参加。
Jonathan Taplin assumed the role of executive producer, and Robertson worked as producer of the film.
ジョナサン・タプリンがエグゼクティブ・プロデューサーに就任し、ロバートソンが映画のプロデューサーを務めた。
Rehearsals for The Last Waltz concert began in early November.
11月初旬、「ラスト・ワルツ」コンサートのリハーサルが始まった。
Warner Bros. Records president Mo Ostin offered to finance the production of The Last Waltz film in exchange for the rights to release music from The Last Waltz as an album.
ワーナー・ブラザース・レコードの社長モー・オースティンが レコード会社社長のモ・オスティンは、『ラスト・ワルツ』の音楽をアルバムとして発売する権利と引き換えに、『ラスト・ワルツ』の映画制作に資金を提供することを申し出た。
However, the group were contractually obligated to supply Capitol Records with one more album before they could be released to work with Warner Bros. So in between rehearsing, the Band worked on the studio album Islands for Capitol.
しかし、バンドはワーナー・ブラザースとの仕事を解放される前に、キャピトル・レコードにもう1枚アルバムを供給する契約上の義務があった。そこでバンドはリハーサルの合間に、キャピトルのためにスタジオ・アルバム『Islands』の制作に取りかかったのである。
Robertson wrote or co-wrote eight of the ten tracks.
ロバートソンは10曲中8曲を作曲または共同作曲している。
One of the songs, "Knockin' Lost John", features Robertson on vocals, and was the first Band song Robertson had sung on since "To Kingdom Come" from Music From Big Pink.
そのうちの1曲、「Knockin' Lost John」はロバートソンがボーカルを務めており、『Music From Big Pink』の「To Kingdom Come」以来、ロバートソンが歌った初めてのバンドの曲となった。
"Christmas Must Be Tonight" was inspired by the birth of Robertson's son, Sebastian, in July 1974.
Christmas Must Be Tonight は、1974年7月にロバートソンの息子、セバスチャンが誕生したことに触発されたものである。
The Last Waltz concert event took place on Thanksgiving Day, November 25, 1976.
ラスト・ワルツのコンサート・イベントは、1976年11月25日の感謝祭に行われた。
Approximately five thousand people were in attendance.
約5000人の観客が集まった。
The event began at 5 pm, beginning with the audience members being served a full traditional Thanksgiving meal at candlelit tables, with a vegetarian table serving an alternate menu as an option.
イベントは午後5時に始まり、観客にはキャンドルライトの灯るテーブルで伝統的な感謝祭の食事が振る舞われ、オプションとしてベジタリアンテーブルでは代替メニューが提供された。
The Berkeley Promenade Orchestra played waltz music for dancing afterwards.
その後、バークレー・プロムナード・オーケストラがワルツを演奏し、ダンスを楽しみた。
The tables were cleared and moved at 8 pm.
午後8時にテーブルが片付けられ、移動した。
At 9 pm, the Band played songs for an hour, beginning with "Up On Cripple Creek".
午後9時、バンドは「Up On Cripple Creek」を皮切りに1時間曲を演奏した。
Just after 10 pm, Robertson introduced Ronnie Hawkins, the first onstage guest, with a succession of guest stars appearing with the group until just after midnight.
午後10時過ぎ、ロバートソンが最初のゲストとしてロニー・ホーキンスを紹介し、その後12時過ぎまで次々とゲスト・スターが登場した。
The group took a 30-minute break, during which several Bay Area poets performed readings of their poems.
30分ほど休憩があり、その間にベイエリアの詩人たちが詩の朗読を行った。
After the break, the Band returned to the stage, performing, among other songs, a new composition entitled "The Last Waltz Theme" that Robertson had just completed less than 48 hours prior.
休憩後、バンドはステージに戻り、ロバートソンが48時間前に完成させたばかりの新曲「The Last Waltz Theme」などを演奏した。
Bob Dylan was brought in at the end of this second set, performing several songs, and finally being joined with the other guest stars for a finale performance of "I Shall Be Released".
セカンド・セットの最後にはボブ・ディランが登場し、数曲を演奏し、最後は他のゲスト・スターと一緒に「I Shall Be Released」を演奏してフィナーレを飾った。
This was then followed with two all-star jam sessions, after which the Band returned to the stage to close the show with one more song, their rendition of "Baby Don't You Do It".
その後、2回のオールスター・ジャムセッションを経て、バンドはステージに戻り、もう1曲、「Baby Don't You Do It」を演奏してショウを締めくくった。
1977–1978 (The Last Waltz film and album)（映画「ラスト・ワルツ」、アルバム）
After The Last Waltz concert event was finished, director Martin Scorsese had 400 reels of raw footage to work with, and began editing the footage.
ラスト・ワルツ」のコンサート・イベントが終わると、マーティン・スコセッシ監督は400リールの生映像を手に入れ、映像の編集に取りかかった。
The film was then sold to United Artists.
そして、このフィルムはユナイテッド・アーティスツに売却されることになった。
In the meantime, Robertson and Scorsese continued to brainstorm more ideas for the film.
その間、ロバートソンとスコセッシは、この映画のためにさらなるアイデアを練り続けた。
In April 1977, country singer Emmylou Harris and gospel vocal group the Staple Singers were filmed on a sound stage at MGM performing with the Band.
1977年4月、カントリー歌手のエミルー・ハリスとゴスペル歌手のステイプル・シンガーズが、MGMのサウンドステージでバンドと一緒に演奏しているところを撮影された。
Emmylou Harris performed on "Evangeline", a new song written by Robertson, and the Staples Singers performed on a new recording of "The Weight," which they themselves had recorded a version of in 1968.
エミルー・ハリスはロバートソンが書いた新曲「Evangeline」で、ステイプルズ・シンガーズは、彼ら自身が1968年に録音した「The Weight」の新録音で、それぞれ演奏した。
Scorsese's next idea was to intersperse the concert footage with interviews of the Band that told their story.
スコセッシの次のアイデアは、コンサートの映像に、バンドの物語を語るインタビューを挟むことだった。
Scorsese conducted the interviews.
スコセッシはそのインタビューを実施した。
The Last Waltz album was released by Warner Brothers Records on April 7, 1978, as a 3-LP set.
アルバム『ラスト・ワルツ』は、1978年4月7日にワーナー・ブラザーズ・レコードからLP3枚組で発売された。
The first five sides feature live performances from the concert, and the last side contains studio recordings from the MGM sound stage sessions.
最初の5面はコンサートでのライブ演奏、最後の1面はMGMサウンドステージセッションでのスタジオ録音が収録されている。
The album peaked at #16 on the Billboard charts, and remained in the Top 40 for 8 weeks.
このアルバムはビルボードチャートで最高16位を記録し、8週間トップ40にとどまりた。
The Last Waltz film was released to theatres on April 26, 1978.
映画「ラスト・ワルツ」は1978年4月26日に劇場公開された。
The film fared well with both rock and film critics.
この映画は、ロックと映画批評家の両方から好評を博した。
Robertson and Scorsese made appearances throughout America and Europe to promote the film.
ロバートソンとスコセッシは、この映画のプロモーションのためにアメリカやヨーロッパ中に登場した。
Over time, The Last Waltz has become lauded by many as an important and pioneering rockumentary.
時を経て、『ラスト・ワルツ』は、重要かつ先駆的なロック・ドキュメンタリーとして多くの人に賞賛されるようになった。
Its influence has been felt on subsequent rock music films such as Talking Heads' Stop Making Sense (1984), and U2's Rattle and Hum (1988).
その影響は、トーキング・ヘッズの『ストップ・メイキング・センス』（1984年）やU2の『ラトル・アンド・ハム』（1988年）など、その後のロック音楽映画にも及んでいる。
Production and session work outside of the Band 1970–1977（バンド以外での制作・セッション活動）
Robertson produced Jesse Winchester's debut self-titled album, which was released in 1970 on Ampex Records.
ロバートソンは、1970年にアンペックス・レコードからリリースされたジェシー・ウィンチェスターのセルフタイトルデビューアルバムをプロデュースした。
The album features Robertson playing guitar throughout the album, and co-credits the track "Snow" to Robertson as well.
このアルバムではロバートソンが全編にわたってギターを弾いており、「Snow」という曲もロバートソンの共同クレジットになっている。
Robertson played guitar on ex-Beatle Ringo Starr's third solo album, Ringo (1973), performing with four-fifths of the Band on the track "Sunshine Life For Me (Sail Away Raymond)".
ロバートソンは元ビートルズのリンゴ・スターの3枚目のソロ・アルバム『リンゴ』（1973年）でギターを弾き、バンドの5分の4と「Sunshine Life For Me (Sail Away Raymond)」という曲で演奏している。
Robertson contributed a guitar solo on the track "Snookeroo" on Starr's fourth album, Goodnight Vienna (1974).
ロバートソンは、スターの4枚目のアルバム『グッドナイト・ウィーン』（1974年）の「Snookeroo」という曲でギターソロを担当している。
Robertson played guitar for Joni Mitchell on the track "Raised on Robbery", which was released on her album Court and Spark.
ロバートソンはジョニ・ミッチェルのアルバム『コート・アンド・スパーク』に収録されたトラック「レイズド・オン・ロバリー」でギターを演奏した。
In 1974, Robertson also played guitar on Carly Simon's version of "Mockingbird", which featured Simon singing with her then-husband James Taylor.
1974年、ロバートソンはカーリー・サイモンの「モッキンバード」のバージョンでもギターを弾き、サイモンは当時の夫ジェームス・テイラーと一緒に歌っている。
In 1975, Robertson produced and played guitar on singer/guitarist Hirth Martinez's debut album Hirth From Earth.
1975年、ロバートソンはシンガー／ギタリストのハース・マルティネスのデビュー・アルバム『ハース・フロム・アース』のプロデュースとギターを担当した。
Bob Dylan had heard Martinez, and recommended him to Robertson.
ボブ・ディランがマルティネスを聴いて、ロバートソンに推薦したのだ。
Robertson identified strongly with Martinez' music, helped him to secure a recording contract with Warner Bros. Records, and agreed to produce Martinez' debut album.
ロバートソンはマルティネスの音楽に強く共感し、彼がワーナー・ブラザース・レコードとレコーディング契約を結ぶのを手伝い、マルティネスのプロデュースをすることになりました。ロバートソンはマルティネスの音楽に強く共感し、ワーナー・ブラザース・レコードとレコーディング契約を結び、マルティネスのデビュー・アルバムのプロデュースに同意した。
He also played guitar on Martinez' follow-up album, Big Bright Street (1977).
また、マルティネスの次のアルバム『ビッグ・ブライト・ストリート』（1977年）でもギターを演奏している。
In 1975, Eric Clapton recorded the album No Reason to Cry at the Band's Shangri-La Studios with help from members of the Band.
1975年、エリック・クラプトンはバンドのメンバーの協力を得て、バンドのシャングリ・ラ・スタジオでアルバム『No Reason to Cry』をレコーディングした。
Robertson played lead guitar on the track "Sign Language".
ロバートソンは「Sign Language」という曲でリード・ギターを弾いている。
In the mid-1970s, Robertson connected with singer Neil Diamond, and the two began collaborating on a concept album about the life and struggles of a Tin Pan Alley songwriter.
1970年代半ば、ロバートソンは歌手のニール・ダイアモンドとつながり、二人はティン・パン・アレーのソングライターの人生と苦悩を描いたコンセプト・アルバムの共同制作を開始した。
The resulting album, entitled Beautiful Noise, was recorded at Shangri-La Studios in early 1976.
その結果、『ビューティフル・ノイズ』と名付けられたアルバムは、1976年初頭にシャングリ・ラ・スタジオでレコーディングされた。
It reached #6 on the Billboard charts and remained in the Top 40 for sixteen weeks.
このアルバムはビルボードチャートで6位を記録し、16週間トップ40にとどまった。
Robertson produced the album, co-wrote the track "Dry Your Eyes" with Diamond, and played guitar on "Dry Your Eyes", "Lady-Oh", and "Jungletime".
ロバートソンはこのアルバムをプロデュースし、ダイアモンドと「Dry Your Eyes」を共同作曲し、「Dry Your Eyes」、「Lady-Oh」、「Jungletime」でギターを演奏した。
He produced Diamond's live double album Love at the Greek (1977), which was recorded in 1976 at the Greek Theatre in Los Angeles.
1976年にロサンゼルスのグリーク・シアターで録音されたダイアモンドのライブ・ダブル・アルバム『ラヴ・アット・ザ・グリーク』（1977年）のプロデュースを担当した。
Love at the Greek reached #8 on the Billboard charts and remained in the Top 40 for nine weeks.
Love at the Greek」はビルボードチャートで8位を記録し、9週間トップ40にとどまった。
In 1977, Robertson contributed to two album projects from the Band alumni.
1977年、ロバートソンはバンドOBの2つのアルバム・プロジェクトに参加した。
Robertson played guitar on "Java Blues" on Rick Danko's self-titled debut album, and also played guitar on the Earl King-penned "Sing, Sing, Sing" on the album Levon Helm & the RCO All-Stars.
ロバートソンはリック・ダンコのセルフタイトルデビューアルバムの「Java Blues」でギターを演奏し、アルバム「Levon Helm & the RCO All-Stars」ではアール・キング作曲の「Sing, Sing, Sing」でギターを演奏している。
Also in 1977, Robertson contributed to the second self-titled album by singer-songwriter Libby Titus, who was the former girlfriend of Levon Helm.
また1977年には、レヴォン・ヘルムの元恋人であるシンガーソングライター、リビー・タイタスのセルフタイトルのセカンドアルバムにロバートソンが参加している。
Robertson produced the track "The Night You Took Me To Barbados In My Dreams" (co-written by Titus and Hirth Martinez), and produced and played guitar on the Cole Porter standard "Miss Otis Regrets".
ロバートソンは「The Night You Took Me To Barbados In My Dreams」（タイタスとハース・マルティネスの共作）をプロデュースし、コール・ポーターのスタンダード曲「Miss Otis Regrets」ではプロデュースとギター演奏を担当した。
Film career 1980–1986（映画界でのキャリア）
Carny (1980) film and soundtrack（『カーニー』映画とサウンドトラック）
After the release of The Last Waltz, MGM/UA, who released the film, viewed Robertson as a potential film actor, and provided Robertson with an office on the MGM lot.
ラスト・ワルツ』の公開後、この映画を公開したMGM/UAはロバートソンを映画俳優として有望視し、ロバートソンにMGMの敷地に事務所を提供した。
During this time, Martin Scorsese's agent, Harry Ulfand, contacted Robertson about the idea of producing a dramatic film about traveling carnivals, which Robertson was drawn to because of his childhood experiences working in carnivals.
この頃、マーティン・スコセッシのエージェント、ハリー・ウルファンドがロバートソンに、旅するカーニバルを描いたドラマ映画の製作を打診し、ロバートソンは幼い頃にカーニバルで働いていた経験からこれに惹かれる。
The screenplay for the film Carny was directed by documentary filmmaker Robert Kaylor.
映画『カーニー』の脚本は、ドキュメンタリー映画作家のロバート・ケイラーが担当した。
Although Robertson was initially only intended to be the producer of Carny, he ended up becoming the third lead actor in the film, playing the role of Patch, the patch man.
ロバートソンは当初、『カーニー』のプロデューサーとしてのみ出演する予定だったが、結局、パッチマンであるパッチ役を演じ、3人目の主役となった。
Gary Busey played "Frankie", the carnival bozo and Patch's best friend.
ゲイリー・ビジーは、パッチの親友でカーニバルのボゾー、「フランキー」役を演じた。
Jodie Foster was selected to play the role of Donna, a small town girl who runs away to join the carnival and threatens to come between the two friends.
カーニバルに参加するために逃げ出し、2人の仲を引き裂こうとする小さな町の少女ドナ役にはジョディ・フォスターが抜擢された。
The film cast real life carnies alongside professional film actors, which created a difficult atmosphere on set.
この映画では、プロの映画俳優と一緒に本物のカーニーも起用され、撮影現場は大変な雰囲気に包まれた。
Carny opened to theaters on June 13, 1980.
カーニー」は1980年6月13日に劇場公開された。
Also in 1980, Warner Bros released a soundtrack album for Carny, which is co-credited to Robertson and composer Alex North, who wrote the orchestral score for the film.
また、1980年にはワーナー・ブラザーズから『Carny』のサウンドトラック・アルバムが発売され、ロバートソンと、この映画のオーケストラ・スコアを書いた作曲家アレックス・ノースの共同名義になっている。
The soundtrack was re-released on compact disc by Real Gone Music in 2015.
このサウンドトラックは、2015年にReal Gone Musicからコンパクトディスクで再リリースされた。
Early collaborations with Martin Scorsese 1980–1986 (Raging Bull, The King of Comedy, The Color of Money)（マーティン・スコセッシ監督との初期のコラボレーション(レイジング・ブル、キング・オブ・コメディー、カラー・オブ・マネー)）
After the production of Carny was completed, Robertson flew to New York to assist Martin Scorsese on the music for the film Raging Bull (1980).
Carny』の制作終了後、ロバートソンはニューヨークに飛び、映画『レイジング・ブル』（1980年）の音楽でマーティン・スコセッシ監督を補佐した。
Robertson and Scorsese would have a long-running working relationship.
ロバートソンとスコセッシは、長い間、仕事上の関係を持つことになる。
The former would find and/or create music to underscore the latter's films.
ロバートソンとスコセッシは、その後長い間仕事を共にすることになる。ロバートソンは、スコセッシの映画を彩る音楽を探したり、作ったりする。
Raging Bull was the first of these collaborations.
レイジング・ブル』はその最初のコラボレーションであった。
Robertson credits his work on Raging Bull for sparking his interest in the work of sourcing and underscoring music for movies.
ロバートソンは、『レイジング・ブル』での仕事が、映画音楽の調達とアンダースコアリングという仕事に興味を持つきっかけになったと語っている。
Robertson supplied three newly recorded instrumental jazz tracks for sourced music, which he also produced.
ロバートソンは、新たに録音したジャズのインストゥルメンタル・トラックを3曲提供し、プロデュースも担当した。
These three tracks feature Robertson playing guitar, along with performances from the Band alumni Garth Hudson and Richard Manuel.
この3曲は、ロバートソンがギターを弾き、ザ・バンドの卒業生であるガース・ハドソンとリチャード・マニュエルが演奏している。
One of the tracks, "Webster Hall", is co-written by Robertson and Garth Hudson.
そのうちの1曲、「Webster Hall」はロバートソンとガース・ハドソンの共作である。
Robertson also worked with Scorsese on selecting the film's opening theme music, choosing the intermezzo from Cavalleria Rusticana by Italian opera composer Pietro Mascagni.
ロバートソンは、映画のオープニングテーマ曲の選定でもスコセッシと協力し、イタリアのオペラ作曲家ピエトロ・マスカーニの「カヴァレリア・ルスティカーナ」の間奏曲を選んでいる。
The soundtrack was finally released by Capitol Records in 2005 as a 37 track, 2-CD set.
このサウンドトラックは、2005年にキャピトル・レコードから37曲入り2枚組CDとしてようやく発売された。
Robertson worked with Scorsese again on his next film, The King of Comedy (1983), and is credited in the film's opening credits for "Music Production".
ロバートソンはスコセッシ監督の次回作『キング・オブ・コメディ』（1983年）で再び一緒に仕事をし、この映画のオープニング・クレジットに「音楽制作」でクレジットされている。
Robertson contributed one original song, "Between Trains," to the film's soundtrack.
ロバートソンは、この映画のサウンドトラックにオリジナル曲「Between Trains」を1曲提供している。
The song was written in tribute to "Cowboy" Dan Johnson, an assistant of Scorsese's who had recently died.
この曲は、最近亡くなったスコセッシのアシスタント、「カウボーイ」ダン・ジョンソンへのトリビュートとして書かれたものである。
Robertson produced the track, sings lead vocals, and plays guitar and keyboards; the Band alumni Garth Hudson and Richard Manuel appear on the track was well.
ロバートソンはこの曲をプロデュースし、リード・ボーカルとギター、キーボードを担当、ザ・バンドの卒業生であるガース・ハドソンとリチャード・マニュエルもこの曲に参加している。
A soundtrack album for the film was released by Warner Bros. in 1983.
この映画のサウンドトラック・アルバムは1983年にワーナー・ブラザーズから発売された。
In June 1986, Robertson began working with Scorsese on his next film The Color of Money.
1986年6月、ロバートソンはスコセッシ監督の次回作『カラー・オブ・マネー』で仕事を始める。
In addition to sourcing music for the film, Robertson also composed the film's score; it was the first time Robertson had ever written a dramatic underscore for a film.
ロバートソンは映画の音楽を調達するだけでなく、映画のスコアも作曲した。ロバートソンが映画のためにドラマチックなアンダースコアを書いたのはこれが初めてだった。
Robertson brought in Canadian jazz composer Gil Evans to orchestrate the arrangements.
ロバートソンは、カナダのジャズ作曲家ギル・エヴァンスを編曲に迎えた。
The best known song on The Color of Money soundtrack is Eric Clapton's "It's in the Way That You Use It", which was co-written by Robertson.
カラー・オブ・マネー』のサウンドトラックで最も有名な曲は、ロバートソンと共作したエリック・クラプトンの「イッツ・イン・ザ・ウェイ・ザット・ユー・ユース・イット」である。
"It's in the Way That You Use It" reached #1 on the Billboard Mainstream Rock Songs chart in January 1987.
It's in the Way That You Use It は1987年1月にビルボード・メインストリーム・ロック・ソング・チャートで1位を獲得した。
Robertson produced a song for the film with blues player Willie Dixon entitled "Don't Tell Me Nothin'"; Dixon's track was co-written with Robertson.
ロバートソンはこの映画のためにブルース奏者のウィリー・ディクソンと「ドント・テルミー・ノーシン」という曲を制作し、ディクソンの曲はロバートソンと共同で作曲されたものであった。
The Color of Money's soundtrack album was released by MCA Records.
カラー・オブ・マネー』のサウンドトラック・アルバムはMCAレコードから発売された。
Solo career（ソロ活動）
Geffen Records period（ゲフィン・レコード時代）
Robbie Robertson (1987)（ロビー・ロバートソン）
Robertson began work on his first solo album, Robbie Robertson, in July 1986 after signing to Geffen Records.
1986年7月、ロバートソンはゲフィン・レコードと契約し、初のソロ・アルバム『ロビー・ロバートソン』の制作に取り掛かった。
Robertson chose fellow Canadian Daniel Lanois to produce the album.
ロバートソンは、同じカナダ人のダニエル・ラノワをアルバムのプロデュースに指名した。
Much of the album was recorded at The Village Recorder in West Los Angeles, California.
アルバムの多くはカリフォルニア州ウェスト・ロサンゼルスのザ・ヴィレッジ・レコーダーで録音された。
He recorded at Bearsville Studios near Woodstock, New York, and also in Dublin, Ireland, with U2, and in Bath, England, with Peter Gabriel.
ニューヨーク州ウッドストック近郊のベアズヴィル・スタジオや、U2とはアイルランドのダブリンで、ピーター・ガブリエルとはイギリスのバースで録音した。
He employed a number of guest artists on the album, including U2, Gabriel, the Bodeans, and Maria McKee.
U2、ガブリエル、ボデーズ、マリア・マッキーなど、多くのゲスト・アーティストをアルバムに起用した。
Garth Hudson and Rick Danko also made appearances on the album.
ガース・ハドソンとリック・ダンコもこのアルバムに出演している。
Robertson wrote one track, "Fallen Angel", in honor of Richard Manuel, after his passing in March 1986.
ロバートソンは、1986年3月に亡くなったリチャード・マニュエルに敬意を表して、1曲「Fallen Angel」を書き下ろした。
Released on October 26, 1987, Robbie Robertson peaked at #35 on the Billboard 200, remaining in the top 40 for three weeks.
1987年10月26日に発売されたロビー・ロバートソンは、ビルボード200で35位を記録し、3週間トップ40にとどまった。
The album charted even higher in the UK, peaking at #23 on the UK Albums Chart and remaining on the chart for 14 weeks.
イギリスではさらに上位にランクインし、UKアルバム・チャートで23位を記録し、14週間チャートインし続けた。
Robbie Robertson received overwhelming critical acclaim at the time of its release, being listed in the Top-Ten Albums of the Year by several critics in Billboard magazine's 1987 "The Critics' Choice" end of the year feature.
ロビー・ロバートソンは発売当時、圧倒的な批評家の称賛を受け、ビルボード誌の1987年の年末特集「The Critics' Choice」で、複数の批評家からその年のトップ10アルバムにリストアップされた。
The album was listed as #77 in Rolling Stone's 1989 list "100 Best Albums of the Eighties."
このアルバムは、1989年のローリング・ストーン誌のリスト "100 Best Albums of the Eighties" で77位にランクインしている。
Robertson had his single largest hit in the UK with "Somewhere Down The Crazy River", which features his spoken word verses contrasted with singing in the choruses.
ロバートソンは「Somewhere Down The Crazy River」で英国で最大のヒットを飛ばした。この曲は、彼の話し言葉の詩とコーラスでの歌の対比が特徴である。
The song reached #15 in the UK Hit Singles chart, and remained in the chart for 11 weeks.
この曲はUKヒット・シングル・チャートで15位を記録し、11週間チャートインし続けた。
The video for "Somewhere Down The Crazy River" was directed by Martin Scorsese, and features Maria McKee in an acting role.
Somewhere Down The Crazy River」のPVはマーティン・スコセッシが監督し、マリア・マッキーが演技で出演している。
In the US, Robbie Robertson produced several hits on the Billboard Mainstream Rock charts, with "Showdown At Big Sky" coming in the highest (#2) and "Sweet Fire Of Love" the second highest (#7).
アメリカでは、ロビー・ロバートソンはビルボード・メインストリーム・ロック・チャートでいくつかのヒット曲を生み出し、「Showdown At Big Sky」が最高位（2位）、「Sweet Fire Of Love」が2位（7位）にランクインした。
The album was nominated for a Grammy Award for "Best Rock / Vocal Album", and was certified gold in the United States in 1991.
このアルバムはグラミー賞の「ベスト・ロック／ボーカル・アルバム」にノミネートされ、1991年に米国でゴールドに認定された。
In Canada, Robertson won Album Of The Year, Best Male Vocalist Of The Year and Producer Of The Year at the Juno Award ceremony in 1989.
カナダでは、ロバートソンは1989年のジュノー賞授賞式でAlbum Of The Year、Best Male Vocalist Of The Year、Producer Of The Yearを受賞した。
In 1991, Rod Stewart recorded a version of "Broken Arrow" for his album Vagabond Heart.
1991年、ロッド・スチュワートがアルバム『Vagabond Heart』に「Broken Arrow」のヴァージョンを録音した。
Stewart's version of the song reached #20 on the Billboard 100 chart in the US and #2 on the Billboard Top Canadian Hit Singles chart in Canada.
スチュワートのバージョンは、アメリカのビルボード100チャートで20位、カナダのビルボードトップカナダヒットシングルチャートで2位を記録した。
"Broken Arrow" was performed live by the Grateful Dead with Phil Lesh on vocals.
Broken Arrow はフィル・レッシュがボーカルを務めるグレイトフル・デッドによってライブで演奏された。
Storyville (1991)（ストーリーヴィル）
Storyville was released on September 30, 1991.
ストーリーヴィル』は1991年9月30日にリリースされた。
Robertson headed to New Orleans to collaborate with some of the city's natives like Aaron and Ivan Neville and the Rebirth Brass Band.
ロバートソンはニューオーリンズに向かい、アーロンやアイヴァン・ネヴィル、リバース・ブラスバンドなど、この街の出身者たちとコラボレーションを行った。
Once again, Robertson brought in Band alumni Garth Hudson and Rick Danko as contributors.
また、ロバートソンはバンドの卒業生であるガース・ハドソンとリック・ダンコを協力者として迎え入れた。
The album reached #69 on the Billboard 200 chart.
このアルバムはビルボード200チャートで69位を記録した。
Storyville received numerous positive reviews, with Rolling Stone giving it 4 1/2 stars out of 5, and the Los Angeles Times awarding it 3 stars out of 4.
Storyville』は、ローリング・ストーン誌が5点満点中4つ星半、ロサンゼルス・タイムズ紙が4点満点中3つ星と、数々の好評を博した。
Two tracks from the album, "What About Now" and "Go Back To Your Woods", charted on the Billboard Mainstream Rock charts at #15 and #32 respectively.
アルバムからの2曲、「What About Now」と「Go Back To Your Woods」は、ビルボード・メインストリーム・ロック・チャートでそれぞれ15位と32位にチャートインした。
The album was nominated for Grammy awards in the categories "Best Rock Vocal Performance (solo)" and "Best Engineer".
このアルバムはグラミー賞の「ベスト・ロック・ボーカル・パフォーマンス（ソロ）」部門と「ベスト・エンジニア」部門にノミネートされた。
Production and session work 1984–1992（プロダクション、セッションワーク）
In 1984, Robertson co-produced the track "The Best of Everything" with Tom Petty for the Tom Petty and the Heartbreakers album Southern Accents.
1984年、ロバートソンは、トム・ペティ・アンド・ザ・ハートブレイカーズのアルバム『Southern Accents』の収録曲「The Best of Everything」をトム・ペティと共同プロデュースした。
Robertson also worked on the horn arrangements for the track, and brought in Band alumni Richard Manuel and Garth Hudson as guests.
ロバートソンはこの曲のホーン・アレンジも手がけ、バンドの卒業生であるリチャード・マニュエルとガース・ハドソンをゲストに迎えている。
In 1986, Robertson appeared as a guest on the album Reconciled by the Call, playing guitar on the track "The Morning".
1986年、ロバートソンはアルバム「Reconciled by the Call」にゲストとして参加し、「The Morning」という曲でギターを弾いている。
Also in 1986, Robertson was brought on as creative consultant for Hail! Hail! Rock 'n' Roll (1987), a feature film saluting Chuck Berry.
同じく1986年、ロバートソンは『Hail! Hail! ロックンロール』（1987年）のクリエイティブ・コンサルタントを務めた。
Robertson appears in film, interviewing Chuck Berry, and then playing guitar while Berry recites poetry.
ロバートソンはチャック・ベリーにインタビューし、ベリーが詩を朗読している間、ギターを弾きながら映画に出演している。
In 1988, Robertson collaborated as a songwriter with Lone Justice lead singer Maria McKee.
1988年、ロバートソンはローン・ジャスティスのリード・シンガー、マリア・マッキーとソングライターとしてコラボレートした。
One of the songs they co-wrote, "Nobody's Child", was released on McKee's self-titled debut album in 1989.
共同作曲した曲のひとつ「Nobody's Child」は、1989年にマッキーのセルフタイトルデビューアルバムで発表された。
In 1989, Robertson recorded and produced a new version of the Band's "Christmas Must Be Tonight" for the Scrooged soundtrack.
1989年、ロバートソンはScroogedのサウンドトラックのためにバンドの「Christmas Must Be Tonight」の新バージョンを録音し、プロデュースした。
In 1990, Robertson appeared as a guest on the Ryuichi Sakamoto album Beauty, playing guitar on the song "Romance".
1990年、ロバートソンは坂本龍一のアルバム「Beauty」にゲストとして参加し、「Romance」という曲でギターを演奏している。
He also contributed to the world music video and album production One World One Voice.
また、ワールドミュージックのビデオとアルバム制作「One World One Voice」に貢献した。
In 1992, Robertson produced the song "Love in Time" for Roy Orbison's posthumous album King of Hearts.
1992年、ロイ・オービソンの遺作アルバム『キング・オブ・ハーツ』の収録曲 "Love In Time "をプロデュースした。
"Love In Time" was a basic demo Orbison had recorded that was believed to be lost, but had just recently been rediscovered.
「Love In Time」はオービソンが録音した基本的なデモで、失われたと思われていたが、つい最近になって再発見されたものだった。
Robertson set about augmenting Orbison's basic vocal track with new arrangements and instrumentation, with the intent of making it sound like the arrangements were there from the beginning instead of later additions.
ロバートソンは、オービソンの基本的なヴォーカル・トラックに新しいアレンジと楽器を加え、後から加えたのではなく、最初からあったかのように聴こえるようにすることを意図した。
Later solo albums（その後のソロ・アルバム）
Music for the Native Americans (1994): In 1994, Robertson returned to his roots, forming a Native American group called the Red Road Ensemble for Music for the Native Americans, a collection of songs that accompanied a television documentary series produced by TBS.
ミュージック・フォー・ザ・ネイティブ・アメリカンズ』（1994年）。1994年、ロバートソンは自身のルーツに戻り、レッド・ロード・アンサンブルというネイティブ・アメリカンのグループを結成し、TBSが制作したテレビのドキュメンタリー・シリーズに合わせた楽曲集『ミュージック・フォー・ザ・ネイティブ・アメリカンズ』を発表した。
Like his songs, "The Night They Drove Old Dixie Down," and "Acadian Driftwood," Robertson touches on history that connects to his life and family.
彼の曲「The Night They Drove Old Dixie Down」や「Acadian Driftwood」のように、ロバートソンは彼の人生や家族につながる歴史に触れている。
The Battle Of Wounded Knee and the near extinction of the buffalo in the United States are outlined in the song, "Ghost Dance."
ウンディッドニーの戦いや、米国でバッファローが絶滅しそうになったことは、"Ghost Dance "という曲の中で概説されている。
Robertson was recognized with a Juno Award for Producer of the Year.
ロバートソンはジュノ賞のプロデューサー・オブ・ザ・イヤーを受賞した。
The international success of "Mahk Jchi (Heartbeat Drum Song)" inspired a concert in Agrigento, Italy, celebrating Native American music.
Mahk Jchi (Heartbeat Drum Song)」の国際的な成功は、イタリアのアグリジェントでネイティブアメリカンの音楽を祝うコンサートを開催するきっかけとなりた。
Robertson headlined the festival along with other Native American musicians, and portions of the live performance appeared in a PBS documentary.
ロバートソンは他のネイティブ・アメリカンのミュージシャンと共にフェスティバルのヘッドライナーを務め、そのライブパフォーマンスの一部はPBSのドキュメンタリー番組で放映された。
Contact from the Underworld of Redboy (1998): On Contact from the Underworld of Redboy, Robertson departed from his typical production style and delved deep into a mix of rock, native, and electronic music.
コンタクト・フロム・ザ・アンダーワールド・オブ・レッドボーイ」(1998年) Contact from the Underworld of Redboyでは、ロバートソンは通常の制作スタイルから離れ、ロック、ネイティブ、エレクトロニックミュージックのミックスに深く踏み込んだ。
He employed the services of Howie B, DJ Premier, and producer Marius de Vries (Björk, Massive Attack).
彼は、Howie B、DJ Premier、そしてプロデューサーのMarius de Vries（Björk, Massive Attack）を起用した。
Through the songs on the album, he takes a close look at native traditions like Peyote Healing.
このアルバムの曲を通して、彼はペヨーテ・ヒーリングなどの先住民の伝統に迫っている。
The album's opening track, "The Sound Is Fading", samples a recording of a young Native American singer from the 1940s that Robertson got from the Library Of Congress, and the song "Sacrifice" includes parts of an interview from prison with Leonard Peltier set to a soundscape produced by Robertson and de Vries.
アルバムのオープニング曲「The Sound Is Fading」では、ロバートソンが国会図書館から入手した1940年代の若いネイティブ・アメリカン・シンガーの録音をサンプリングし、「Sacrifice」では、ロバートソンとデ・ヴリースが制作した音像に合わせて、レナード・ペルティエの刑務所からのインタビューの一部を収録している。
The racial epithet in the album's title comes from an experience Robertson had where some bullies referred to him as "Red Boy" while he was playing with his cousins.
アルバム・タイトルの人種的蔑称は、ロバートソンが従兄弟たちと遊んでいるときに、いじめっ子たちから「レッドボーイ」と呼ばれた経験に由来している。
Rolling Stone gave the album 4 out of 5 stars, and Robertson received a Juno Award for Best Music of Aboriginal Canada Recording.
ローリングストーン誌はこのアルバムに5つ星のうち4つを与え、ロバートソンはジュノー賞のベスト・ミュージック・オブ・アボリジニ・カナダ・レコーディング部門を受賞した。
How to Become Clairvoyant (2011): Released on April 5, 2011, How to Become Clairvoyant is the fifth solo release from Robertson.
透視能力者になる方法』(2011年) 2011年4月5日にリリースされた『How to Become Clairvoyant』は、ロバートソンの5枚目のソロ作品である。
The album arose from some impromptu demo sessions in Los Angeles with long time friend Eric Clapton.
このアルバムは、長年の友人であるエリック・クラプトンとのロサンゼルスでの即興のデモ・セッションから生まれた。
It features Eric Clapton, Steve Winwood, Trent Reznor, Tom Morello, Robert Randolph, Rocco Deluca, Angela McCluskey, and Taylor Goldsmith of Dawes.
Eric Clapton、Steve Winwood、Trent Reznor、Tom Morello、Robert Randolph、Rocco Deluca、Angela McCluskey、そしてDawesのTaylor Goldsmithが参加している。
Robbie performed "He Don't Live Here No More" on CBS's Late Show with David Letterman and Later...
CBSの番組『Late Show with David Letterman』と『Later...』で「He Don't Live Here No More」を演奏。
with Jools Holland in support of the album.
with Jools Hollandに出演し、アルバムをサポートした。
He also appeared on The Tonight Show Starring Jimmy Fallon performing the song "Straight Down The Line," with Robert Randolph and the Roots.
また、The Tonight Show Starring Jimmy Fallonに出演し、Robert Randolph and the Rootsと共に「Straight Down The Line」を演奏した。
The album was released in a deluxe edition containing five bonus tracks (four demos and the exclusive track "Houdini", named after the magician Harry Houdini).
このアルバムは、5曲のボーナストラック（4曲のデモと、マジシャンのハリー・フーディーニにちなんだエクスクルーシブトラック「Houdini」）を含むデラックスエディションでリリースされた。
"How To Become Clairvoyant" debuted at No. 13 on the Billboard 200, marking the highest debut and highest chart position for Robbie's solo works in his career.
How To Become Clairvoyant はビルボード200で13位を記録し、ロビーのソロ作品としてはキャリア最高のデビューとチャート最高位をマークした。
He teamed with painter and photographer Richard Prince to produce a special limited-edition collector's release of the album.
このアルバムは、画家・写真家のリチャード・プリンスと組んで、特別限定コレクターズリリースを制作した。
The resulting LP-sized box included an art book, an individually numbered set of five lithographs (including pieces by Prince and photographer Anton Corbijn), a set of original tarot cards, and the original album plus ten bonus tracks.
LPサイズのボックスには、アートブック、プリンスと写真家アントン・コービンの作品を含むリトグラフ5枚セット（個別番号入り）、オリジナルタロットカード、オリジナルアルバム＋ボーナストラック10曲が収録された。
Only 2,500 were made.
2,500枚のみ製造された。
Sinematic (2019): Released on September 20, 2019, Sinematic is Robertson's sixth solo album.
シネマティック（2019年）。2019年9月20日にリリースされた『Sinematic』は、ロバートソンの6枚目のソロ・アルバム。
It features Van Morrison joining Robertson as dueling hitmen on the track “I Hear You Paint Houses," as well as other allusions to the world of Scorsese's films.
I Hear You Paint Houses」という曲でヴァン・モリソンがロバートソンとデュエルするヒットマンとして参加しているほか、スコセッシ監督の映画の世界観を連想させるような内容になっている。
Citizen Cope, Derek Trucks, and Frédéric Yonnet make guest appearances on the album.
シチズン・コープ、デレク・トラックス、フレデリック・ヨネがゲスト出演している。
Later career（その後のキャリア）
Robertson worked on Martin Scorsese's movies Casino, The Departed, and Gangs of New York, and he provided music supervision for Shutter Island, The Wolf of Wall Street, and Silence.
ロバートソンはマーティン・スコセッシ監督の映画『カジノ』『ディパーテッド』『ギャング・オブ・ニューヨーク』に参加し、『シャッター アイランド』『ウルフ・オブ・ウォールストリート』『沈黙』の音楽監修を担当した。
In Rome, he headlined the 1995 annual Labour Day concert festival with supporting acts Andrea Bocelli, Elvis Costello, and Radiohead.
ローマでは、1995年の労働者の日のコンサートフェスティバルのヘッドライナーを務め、アンドレア・ボチェッリ、エルビス・コステロ、レディオヘッドらが出演した。
In 1996, as executive soundtrack producer, Robertson heard a demo of Change the World and sent it to Clapton as a suggestion for the soundtrack of Phenomenon, starring John Travolta.
1996年、サウンドトラックのエグゼクティブ・プロデューサーとして、ロバートソンはChange the Worldのデモを聴き、ジョン・トラボルタ主演の『Phenomenon』のサウンドトラックに提案するためクラプトンに送り付けた。
Babyface produced the track.
この曲はベビーフェイスがプロデュースした。
Change the World won 1997 Grammy awards for Song of the Year and Record of the Year.
チェンジ・ザ・ワールドは1997年のグラミー賞でソング・オブ・ザ・イヤーとレコード・オブ・ザ・イヤーを受賞した。
In 1999, Robertson contributed songs to Oliver Stone's film, Any Given Sunday.
1999年、ロバートソンはオリバー・ストーン監督の映画『エニイ・ギブン・サンデー』に曲を提供した。
In 2000, David Geffen and Mo Ostin convinced Robertson to join DreamWorks Records as creative executive.
2000年、David GeffenとMo OstinはRobertsonを説得し、DreamWorks Recordsにクリエイティブ・エグゼクティブとして参加させた。
Robertson, who persuaded Nelly Furtado to sign with the company, is actively involved with film projects and developing new artist talent, including signings of A.i., Boomkat, eastmountainsouth, and Dana Glover.
Nelly Furtadoを説得して同社と契約させたRobertsonは、映画プロジェクトや、A.i., Boomkat, eastmountainsouth, Dana Gloverなどの新人アーティスト育成に積極的に携わっている。
On February 9, 2002, Robertson performed "Stomp Dance (Unity)" as part of the opening ceremony of the 2002 Winter Olympic Games in Salt Lake City, Utah.
2002年2月9日、ユタ州ソルトレイクシティの2002年冬季オリンピック開会式の一部として、ロバートソンは「Stomp Dance（Unity）」を演奏した。
In 2004, he contributed the song "Shine Your Light" to the Ladder 49 soundtrack.
2004年には、Ladder 49のサウンドトラックに「Shine Your Light」を提供した。
In 2005, Robertson was executive producer of the definitive box set for the Band, entitled A Musical History.
2005年、ロバートソンは「A Musical History」と題されたバンドの決定的なボックスセットのエグゼクティブプロデューサーを務めた。
In 2006, he recorded with Jerry Lee Lewis on the track "Twilight", a Robertson composition, for Lewis' album Last Man Standing.
2006年、ジェリー・リー・ルイスのアルバム『ラストマン・スタンディング』のために、ロバートソン作曲の「トワイライト」という曲でジェリー・リー・ルイスとレコーディング。
On July 28, 2007, at Eric Clapton's Crossroads Guitar Festival in Bridgeview, Illinois, Robertson made a rare live appearance.
2007年7月28日、イリノイ州ブリッジビューで行われたエリック・クラプトンのクロスロード・ギター・フェスティバルで、ロバートソンは珍しいライブ出演を果たした。
Also in 2007, Robertson accepted an invitation to participate in Goin' Home: A Tribute to Fats Domino (Vanguard).
2007年、ロバートソンはGoin' Homeへの招待を受け、参加した。A Tribute to Fats Domino (Vanguard)に参加。
With the group Galactic, Robertson contributed a version of Domino's "Goin' to the River".
グループ「ギャラクティック」で、ロバートソンはドミノの「Goin' to the River」のヴァージョンを提供した。
For the 2019 Martin Scorsese movie The Irishman, Robertson provided the score and consulted with music supervisor Randall Poster on the entire soundtrack.
2019年のマーティン・スコセッシ監督の映画『アイリッシュマン』では、ロバートソンはスコアを提供し、サウンドトラック全体について音楽監督のランドール・ポスターと相談した。
Honours and awards（栄誉と賞）
In 1989, the Band was inducted into the Canadian Juno Hall of Fame.
1989年、ザ・バンドはカナダのジュノ・ホール・オブ・フェイムに選出された。
In 1994, the Band was inducted into the Rock and Roll Hall of Fame.
1994年、ロックンロールの殿堂入りを果たす。
In 1997, Robertson received a Lifetime Achievement Award from the National Academy of Songwriters.
1997年、ロバートソンは全米ソングライター・アカデミーから生涯功労賞を授与された。
At the 2003 commencement ceremonies at Queen's University in Kingston, Ontario, Robertson delivered an address to the graduating class and was awarded an honorary degree by the university.
2003年、オンタリオ州キングストンにあるクイーンズ大学の卒業式で、ロバートソンは卒業生にスピーチを行い、同大学から名誉学位を授与された。
In 2003, Robertson received the Indspire Aboriginal Lifetime Achievement Award.
2003年、ロバートソンはIndspire Aboriginal Lifetime Achievement Awardを受賞した。
In 2003, Robertson was inducted into Canada's Walk of Fame.
2003年、ロバートソンはカナダの「ウォーク・オブ・フェイム」に選出された。
In 2005, Robertson received an honorary doctorate from York University.
2005年、ヨーク大学から名誉博士号を授与される。
In 2006, he received the Governor General's Performing Arts Award for Lifetime Artistic Achievement, Canada's highest honour in the performing arts.
2006年、舞台芸術におけるカナダ最高の栄誉である総督舞台芸術賞（Lifetime Artistic Achievement）を受賞。
In 2008, Robertson and the Band received the Grammy Lifetime Achievement Award.
2008年、ロバートソンとザ・バンドは、グラミー賞の生涯功労賞を受賞した。
In 2011, Robertson was inducted into the Canadian Songwriters Hall of Fame.
2011年、ロバートソンはカナダ・ソングライターの殿堂入りを果たした。
On May 27, 2011, Robertson was made an Officer of the Order of Canada by Governor General David Johnston.
2011年5月27日、ロバートソンはデビッド・ジョンストン総督からカナダ勲章のオフィサーに任命された。
In 2014, the Band was inducted into Canada's Walk of Fame.
2014年、同バンドはカナダのウォーク・オブ・フェイムに選出された。
October 14, 2017 Robbie Robertson receives the Lifetime Achievement Award at the Native American Music Awards In 2019, Robertson was given a key to the city of Toronto by Mayor John Tory during a TIFF press conference for Once Were Brothers: Robbie Robertson and The Band, a documentary about Robertson.
2017年10月14日 ネイティブ・アメリカン・ミュージック・アワードでロビー・ロバートソンが生涯功労賞を受賞 2019年、『Once Were Brothers』の東京国際映画祭の記者会見で、ロバートソンがジョン・トリー市長からトロント市の鍵を贈られた。ロバートソンのドキュメンタリー映画『Robbie Robertson and The Band』。
2019 Robbie Robertson the recipient of the Lifetime Achievement Award in the Canadian Music Industry Hall of Fame from Canadian Music Week (CMW)
2019年 ロビー・ロバートソンがカナディアン・ミュージック・ウィーク（CMW）の「カナダ音楽業界の殿堂」において「生涯功労賞」を受賞
As author（作家として）
Robertson co-authored Legends, Icons and Rebels: Music That Changed the World with his son, Sebastian Robertson, and colleagues Jim Guerinot and Jared Levine.
ロバートソンの共著に「Legends, Icons and Rebels」がある。ロバートソンは、息子のセバスチャン・ロバートソン、同僚のジム・ゲリノット、ジャレッド・レヴィンとともに『Music That Changed the World』を共著している。
He also wrote Hiawatha and the Peacemaker, illustrated by David Shannon.
また、デヴィッド・シャノンのイラストによる『Hiawatha and the Peacemaker』（邦訳『ハイアワサと平和の作り手』）も執筆。
His autobiography, Testimony, written over the course of five years, was published by Crown Archetype in November 2016.
5年の歳月をかけて書き上げた自伝『証言』は、2016年11月にクラウン・アーキタイプから出版された。
Personal life（個人生活）
On March 24, 1968, Robertson married Dominique Bourgeois, a Canadian journalist.
1968年3月24日、ロバートソンはカナダのジャーナリスト、ドミニク・ブルジョワと結婚した。
They have three children: daughters Alexandra and Delphine and son Sebastian.
娘のアレクサンドラ、デルフィーヌ、息子のセバスチャンの3人の子供がいる。
Robertson is a member of the Canadian charity Artists Against Racism.
ロバートソンは、カナダの慈善団体「Artists Against Racism」のメンバーである。
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