芸術には３通りある。
アートってなに？というような話をします。
そもそもなんですが、日常会話の中で「アートが好きなんですよー」というのは止めた方がいいというのはご存知でしょうか？
もう危険信号。「いーや、もう一歩踏み込むね！」「…私って、アートに携わってます！」なんて言ったら目も当てられない。なんなんだこいつは、頭おかしいんじゃないのかという罵詈雑言。周囲の人間が残らず臨戦態勢になり、斧とかメイスが飛び交うくらいの宗教戦争が始まってしまいます。
これはなぜか？
それというのも、皆さんがそれぞれの御本尊を大切にされているからだ、ということなのですよ。それは分かるのですが、素人はアートに関する発言ダメみたいなルールは、インターネット時代にそぐわないと思いませんか？誰でも彼でも気軽に主張できる、それがナウでしょ？
ただ基本的な理解が違っていると、むやみに喧嘩が始まってしまいます。それは誰もが望むところではない。
皆さん、まずは落ち着いてください。
というわけで、こんにちは！九条いつきです。写真家／現代アート作家です。プロジェクトベース兼コンセプチュアルアート作品となるWebサイトを運営しながら、たまに東京大阪などで作品を展示/譲渡しています。
なので、「写真/現代アートに携わっています！」
ですがこのような雑な紹介は、なにかと物議を醸してしまうということがあります。なぜアートはここまで人を狂わせるのでしょうか？
詳しい話は専門家に任せたいと思います。が、僕はそれが歴史が長いからだと思っています。例えばそれこそ宗教。歴史が長いですよね？歴史が長いと、たとえ初めは１個のものでもだんだんに色々な解釈がでてきます。それに従って色々な派閥ができたりする。主導権争いもする。権力があっちへいったりこっちへいったりします。
アートもそれと同じで、一口でこうですとはいえない歴史的な事情があると思うのです。それが界隈の殺伐と喧嘩の元になっているのではないでしょうか？
そこでここでは大雑把にアートの歴史的な解釈を３つに分けまして、それぞれに停戦協定を結びたいと思います。
それがこの「芸術には３通りある。」論なのです。
芸術の歴史的な解釈１：普遍のIDEA
アートという言葉は西欧起源になるのかと思いますが、発想としては一番素朴で人類普遍の観念だと思われるのが、このアート＝普遍のIDEA論です。
出典：ラファエロ・サンティ『アテナイの学堂』- Wikipedia
なぜなら人類史を観察すると、猿から進化したヒトが文明が発達させたころ、ギリシャでも中国でもなぜか「真・善・美」「智・情・意」というようなIDEAが人々の間の共通理解になってきていることがわかるからです。
IDEAとは要するに、究極に完成された普遍の「美」が元々あって、それを現世に一部表出させることができるもの、それがアートであるというようなイメージ。いわゆる黄金比、黄金の回転で無限のエネルギーです。
美醜の感覚でもっとも素朴なものですね。とにもかくにも物を作ってる最中は、その「美」とでもいうべき自分の中の感覚と対話する他ないため、普遍のIDEA論、一理ありといわざるを得ません。
そして究極に完成された「美」に向かって作品がどれだけ近づいているか、それによってその作品の価値も決まる。その価値は普遍のものである。アートという言葉が表すものに、「技術」が含まれていますが、おそらくその「完全体」に近づくものというような意味合いだと思います。
ここで注意しておきたいのは、その「完全体」は誰か特定の人が決めているわけじゃないというところです。究極の真理として「美」があるというのが前提になる。誰が見ても分かる。つまり一般大衆の好みの平均値にその「美」はある。今でいえばビッグデータにある。もしかしたらその右斜め上くらいにある。と、そんな感じになります。
なので誰がその「美」の作り手になるかというと、その道一筋の【職人さん達】です。ギリシャ文明が紡いだIDEA、中国文明が紡いだ真善美を正統に後継したのは、職人文化。歴史的にみるとそんな中世が長く続いたのではないでしょうか。
出典：『Achilles and Hector Amphora Vase』- British Museum, Replicas
今も職人技・アルチザンこそアート派は大勢を占めます。つまりこれが芸術という概念のひとつ目の解釈という訳です。そのように考えている人の前で、素人が安直に「アートに携わっています」というと、怒られが発生するのも無理はありません。100年早いんだよ！というね。
…しかしだからといって、ゴジラ式に放射火炎を吐くのはちょっと待っていただきたい。
なぜなら、芸術の解釈はここから大きく変遷していくからなのです。
芸術の歴史的な解釈２：個性とデザイン
アートが究極の真理「美」を目指すものとされていた時代、もしくは今もそうな人達からしてみたら、職人こそが正義。またその時代も長く続いたということでした。
なにせ職人は日々たゆまぬ研鑽を積んでいますから、究極と至高の親子喧嘩を経て孫ができて一件落着かと思いきや、そのまま末永く続いたということなのです。サザエさん方式で１０００年くらい続いたと言われています。
ところがそこでハタと気づいた人達がいました。最近飽きたな、という人達が。旧世代を否定するような、若い勢力が台頭してくるのです。そういう時代になると、徐々に街中に「そこら辺の古いのと私はちょっと違うよ？主に左手が疼くところが」みたいな意識の高い個性的な人達が多く現れてきます。
出典：レオナルド・ダ・ヴィンチ『モナ・リザ』- Wikipedia
もちろん始めはそこまで突飛ではありません。職人技は今まで通り凄いけれども、ちょっと毛色が違うというような作品がでてきます。写実的な野菜の絵で顔を描いたりします。絢爛豪華なメディチ家の応接間にピッタリあったに違いないヴィーナスを誕生させたりします。
この科学技術や宗教などまとめてギリシャ・ローマ時代を見直そうという回帰現象は、ご存知の通りルネッサンスと呼ばれています。宗教の縛りから解き放たれ、金銭的にも恵まれているような環境の中で、それまでの職人技ベースの上に新しい個性のエッセンスをトッピングできる、そのような曲芸師・魔術師がぞくぞく登場しました。
彼らを喩えるなら、今でいうところの【デザイナーさん達】だったといえるのではないでしょうか？徒弟制度の職人芸術界に突如殴り込みをかけてきた彼らは、個性とセンスという目新しく強力な武器を手にしていました。
要するにこれがアートの新しい解釈、アート＝個性とデザイン論なのです。
この時代のスーパーヒーローといえば、やっぱりレオナルド・ダ・ヴィンチ。職人芸術たる『最後の晩餐』でキリストの肖像を残しているダ・ヴィンチですが、もうひとつ有名な作品がありましてそれは聖母マリアの肖像、ではなく、あくまでどこかの一婦人でしかない『モナリザ』の肖像画なんです。それが代表作とかすごい「個性」でしょ？
同じように本邦でも、過去の文化を見直すという形で文化的な下剋上がたびたび起きています。例えば白紙に戻そう遣唐使で有名な菅原道真ですが、この海外派遣を中断したことで、縄文弥生の昔から大陸文化を常に仰ぎ見ていた日本にも国風文化が起こりました。
こうやって歴史的にみると、文化的なスクラップ&ビルドが行われた結果、伝統的な職人芸術にも新しい個性が認められるようになってきたというのも頷けます。そこには旧来の職人芸術を守りつつその伝統を破り離れるという正論も伴っておりまして、まったく正統に進化したように思えます。おそらくダ・ヴィンチも「これからはコレだよコレ！」と肩で風を切っていたに違いありません。
このアート＝個性とデザイン論、今も進歩的な教育業界に強く反映され、個性を大切にするのが大事なことだとして、そのシンパを日々増やしていることと思います。また、服飾や建築などは機能性というIDEAも必要ですが、ある程度新規性も必要ですから、デザイン芸術の独壇場となっているのではないでしょうか。
出典：Alfons Maria Mucha『Autumn』- Mucha Museum, Poster
さて、そんな新時代アートの担い手となったデザイナー達でしたが、ここでまた時代が大きく遷ります。なぜかデザイナーは「アーティスト」ではなく、一介の「デザイナー」と規定されるようになったのです。しかしその垣根は非常に曖昧であり、ミュシャはデザイナーであっても歌麿はアーティストだとされたりします。
そうすると、もしかしたらアートとデザインの枠組みを決めているのは、一部の権威をもつ人たちなのかもしれない。デザインこそアートだろうのに、現代アートと称する輩はセンスも悪い、ふざけるな！
そのように考えているかも知れない人達の前で、素人が安直に「アートに携わっています」というと怒られが発生するのも無理はありません。いかに「アートが好き」というのが爆弾発言なのかということがわかりますね。
しかしだからといって、ゴジラ式に放射火炎を吐くのはちょっと待っていただきたい。なぜなら、当の「アート」がどこへいってしまったか分からないからです。
…いったいアートはどこへ行ってしまったのでしょうか？
芸術の歴史的な解釈３：動機と進化論
そんなこんなで、時代は近世から近代にかかってきます。すると馬車のそばを鉄道が走り始めます。日本だって明治維新です。日本の夜明けぜよ！といって険しい顔をしないといけなくなります。歴史の授業で出てくる、家内制手工業が工場制手工業や工場制機械工業に切り替わっていきます。家で作業していた職人が、機械工の労働者に置き換わっていきます。
出典：ヴァルター・べンヤミン『複製技術時代の芸術』- Amazon
ここで希少価値について思いだして欲しいのですが、大量生産されるものには価値がなくなる。今まで希少価値があったはずの職人芸術にも疑問符がうたれるようになってきたんですね。複製技術の発達に伴って、普遍のIDEAの強力な支配で安泰だったはずのアート業界にも激震はしるわけです。特に写真技術は肖像画家の食い扶持を大きく損ねたとされています。
加えて、そんな複製技術の根幹にある科学観の広まりがあります。ガリレオのおかげで太陽の代わりに地球が動きます。ダーウィンが進化論を書きます。そうしていくに従って、いかに人間の判断力が環境に左右されているか、「美」がいかに慣習の産物であるか、興りがあって滅びがあるかというような、要するに「美」の相対化がなされたわけです。相対性理論です。
そうなってくると、デザインをアートとしてやっている中の人も大変です。ぼんやりとしてはいられないです。今までは牧歌的な「やってみた」系だったところから、より先鋭的なデザインへと移項・進化していきます。「おまえ左手が疼くっていってたけど、オレなんか右目がアレだからな！右目がアレだからな！」といいだします。
ここに少し関わってるんじゃないかな？と思うのがジャパンという極東国家です。その頃の異文化交流は日本だけにとどまらないのですが、大航海時代も終盤の時期に、異質な「美」の基準が西欧に流入していったのは間違いありません。
なにせ、下膨れのお歯黒でみかえり美人だったりしたわけです。壊れたようなお茶碗をみて「いい仕事してますね〜」とワビたりサビたりするメガネの人達がいる。それをみて、西欧にも「ワイ、ゴッホ。枯れ木を油絵で書いてみたｗｗｗ」みたいなことをする人がでてきたりするんですね。ハゲと髪一重な格好が最高にcool、そんな人達に、出会った２時間スペシャル in パリ万博。
こんな時代の象徴的なアートといえば、ロダンの『考える人』だと思います。『考える人』の時代です、まさに。それじゃどうしたらいいのか？と。
出典：オーギュスト・ロダン『The thinker』- Rodin Museum, Collection
しかしそこでロダンが考えついたのは、彫刻の人体美・IDEAはギリシャで完結といわれ続けた２０００年、それをあえて離れた、ヘタウマのブロンズ像でした。
もちろんロダンの爺さんだって現代日本に生きてたらライザップしてたかも知れないですし、糖質制限最高！といってた可能性もありますよ？大理石一枚から掘り出す普遍のIDEA・ギリシャ彫刻に憧れだってあったに決まってる。そこでしかし、確かに隠れライザップはしますけれども、結果的にそこから決別をするコミットをします。これが大海賊時代の幕開けなんだと宣言したりします。
それが思想に凄みをもたせるという新時代です。ブロンズ像という複製技術がベースにある芸術に、しかしそれを感じさせないアウラを被せていくのは作品の個性を訴える『ロダンの言葉』であり、それがまた極東に届く頃には、それをそのまま純粋に受け取った最悪の世代が産声をあげるわけです。
そもそも「美」ってそんなに決まったものなのか？コノヤローバカヤローという、アート＝個性とデザインからの、
アート＝動機と進化論の爆誕。
アメリカに寄贈された自由の女神は、まさにブロンズ像だということなのです。
［画像］
出典：Jackson Pollock『403 Action Painting I』- MoMA
そんなわけでの「芸術は爆発だ」という原始芸術回帰です。
あなたのソレは文化的なものに毒されず、原始的な欲求を表現しているのか？その初期動機がまず問われ、どのような進化を経て、結果どういった作品にたどり着いたのか？それが問われる。
複製技術の発展により旧来の「アート」は死んだ、そのように受け止めた人々のあいだから２回の世界大戦を経て出てきたのが、作品解説が重要な役割を果たす現代アートです。このアートの担い手が、いわゆるArt for Artな【職業作家さん達】ですよね。
というわけで時代は目まぐるしく変わりまして、歴史が一巡してる感があるわけなんですが、ここで件の「なぜデザインはデザインで、アートはアートなのか」に答えがでます。そうです。IDEAと個性とのバランスがいいデザインこそアートというシンプルな考え方は退潮していったからです。
初期動機が役に立つためのものを作るという場合はデザイン、それが真摯な動機や個性的な狙いがあるのがアート、そのように分離していったということなのです。
…って、これ就活そのものじゃない？生活するのにお金が必要だし、御社の業務に興味もあります頑張りますじゃダメなの？粋な職人だったらそんな野暮なこと言ったりしませんよ、とゴジラ式放射火炎を吐きたくなりますが、まあそうなっている。
つまりこれが、他二つの流派に与する人たちから行方が不明と思われているアートの現在地なのです。
最後に：ヘンテコアートを超えていけ
出典：Photographer, Francesco Bandarin『Acropolice, Athens』- UNESCO
ところでここまで来て、ちょっと大丈夫かな？と思うことがあります。
というのも、原初で普遍のIDEAを否定し、ただ個人の動機が残った作品を誰が評価するのか？という問題があるからです。作者がなにか言っているだけの難解なアート？現代アートって全然わからんわ〜という素朴な感想。
それにそんなことをしていて、下手をしたらIDEA職人がすごい剣幕で怒鳴り込んで来ます。それってデザインが全然なってないよねという冷静なツッコミを入れる人が来ます。その動機は本当なの？という悪魔の証明を強いる人が来ます。そうなったらもう不毛ですよね。冷戦ですよ。ベトナム戦争ですよ。
［画像］
出典：『国際芸術祭 あいち2022』- 国際芸術祭 あいち2022
ただこういった一見ヘンテコアートがいろいろできている現代なわけですが、それと違う見方もあるんじゃないかなというところなのです。
その一つがイノベーター理論。スタンフォード大学の社会学者、エベレット・Ｍ・ロジャース教授（Everett M. Rogers）が提唱したイノベーション普及に関する理論です。この社会進化論的な理論を参照すると、先述の「デザイン」と「アート」の捉え直しができます。
要するに、デザインとはアーリーマジョリティー向けで広く理解者を募るもの、多くの人の課題を解決するためのものであり、アートとはイノベーターであるっていうことです。
なぜその作品に敬意を払うのか？なぜ美術館にトイレを展示する人に敬意を払う必要があるのか？そんなことに何か意味はあるのか？
その答えとして、そのイノベーションがその後の人類にある種、普遍的な影響を与えるから、もしくは逆に普遍的な影響を見越してそれを象徴する何かをつくり形にするからである、ということが言えるんですね。
現代の「アート」は真摯な動機や個性的な狙いが問われるのはもちろん、その歴史的な位置付けが問われる。それが超克のアート＝？論です。
？にはお好きな言葉をいれてください。
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※一部加筆修正しました（2021.3.7）
※一部修正しました（2020.10.14）
※一部加筆訂正しました（2019.10.28）
※ 一部加筆訂正しました（2018.1.8）
※IDEAに変更（2018.12.28）
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参考文献はありません。「アート」は種類分けできるのでは？という考え方も比較的最近になって出てきている意見になります。
例えば
「自分だけの答え」が見つかる 13歳からのアート思考
末永 幸歩 (著)
いま、論理・戦略に基づくアプローチに限界を感じた人たちのあいだで、
「知覚」「感性」「直感」などが見直されつつある。
本書は、中高生向けの「美術」の授業をベースに、
- 「自分だけのものの見方」で世界を見つめ、
- 「自分なりの答え」を生み出し、
- それによって「新たな問い」を生み出す
という、いわゆる「アート思考」のプロセスをわかりやすく解説した一冊。
「自分だけの視点」で物事を見て、
「自分なりの答え」をつくりだす考え方を身につけよう!
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