はじめに

　表題の美術展に6月21日（木）と7月12日（水）に訪れました。

　ポール・ジャクレーは、フランス人の「新版画」作家です。この作家の作品をはじめてみたのは、2009年に江戸東京博物館で開催された「よみがえる浮世絵、ーうるわしき大正新版画展」でした。
　その中で、一連の「チャモロ族の女性」（横浜美術館蔵）の作品を目にして、一瞬のうちにそのエキゾチックなテーマだけでなく、日本人の感覚に無い色彩センスと配色に魅せられました。

　他の作品を見たいと思っていたのですが、その後ジャクレーの美術展が開かれず、今まで果たせませんでした。
　ところが、一昨年2021年10月に何と軽井沢で全作品を展示する美術展が行われるというではありませんか。これは行かねばと思っていたのですが、当時都合がつかず泣く泣く諦めました。

　これまでnoteの記事で繰り返し述べていますが、「線スケッチ」の立場からは「新版画」の作品は見逃せないのです。ですから見逃したショックは大変大きかったのです。

　ようやくその傷も癒えた今年6月初めにジャクレーの全作品160点あまりを展示する美術展の、太田記念美術館のオフィシャルツイートを偶然目にしました。
　予期せぬ喜びとはこのことです。さっそく出かけました。なお、会場の狭さから、全作品を前期（6月）、後期（7月）の前後に分けての展示です。もちろん前期、後期共に訪れすべての作品を見終わることが出来大満足でした。

　なお、前期の6月21日は開館30分前の午前10時に行ったのですが、何と20人あまりの人が並んでいるではありませんか。「新版画」自体は最近でこそ知られてきたのですが、ポール・ジャクレーはほとんど知られていないはずで少々驚きました。
　あとで知ったのですが、その日は学芸員日野原健司氏によるスライド・トークがあり、その整理券を受け取るために並んでいたのです。トークに参加したのはいうまでもありません。

感想：江戸浮世絵との関連について

　前期、後期併せて観た感想のまとめを下に記します。

（１）全体について

（２）彩色について

　以上、個別の作品を思い出しながら、（１）作品の全体について、（２）彩色について、感想をそれぞれ述べてきたのですが、この記事を書き始める前は、もやもやとして考えがまとまらなかったことが、この感想のまとめを書いているうちに明瞭にになりました。それは次の結論です。

　作品の例を示して補足説明したほうがよいと思うものを選んで下記に示します。

1）描かれた朝鮮の市井の人々と日常の描写について（図３）

　ジャクレーは、南洋以外に、満州、モンゴル、朝鮮など日本本土以外の人びとを描いていますが、朝鮮ではなぜか豪奢な服装を着た富裕層は描かず、市井の人々を描いています。しかも他の地域の作品と異なり人物に物語性を感じるのです。（お金を無心する手紙を読む父、彫り終わった仏像を見る仏師、小鳥に餌をやる老人など）
　うろ覚えですが、解説によれば当時朝鮮にジャクレーの身内が住んでいたためによく訪れたそうです。そのような事情が影響しているかもしれません。
　なお、他の新版画作家、例えば川瀬巴水も朝鮮の風景を多く描いており、私も好きなのですが、描かれているのは異国情緒のある建築と風景、添景人物が中心でジャクレーのような人物画はまったくありません。

２）線遠近法をまったく使っていない例（図４）

　西洋の絵と日本の絵の奥行き表現の大きな違いは「線遠近法」を使うか、使わないかであることはよく知られています。明治以降、急速に西洋の「線遠近法」が取り入れられ、木版画もすべて「線遠近法」で描かれるようになりました。「新版画」においても基本は「線遠近法」により描かれ、江戸時代の浮世絵版画との大きな違いとなっています。もちろん江戸後期になると北斎や広重もかなり「線遠近法」を取り入れています。とはいえ本当に必然性があるとき以外は使わず、大半は従来の日本の遠近の表現で描いています。
　一方、ジャクレーはかたくなに「線遠近法」は使わず、他の「新版画作家」とは一線を画しています。広重、北斎ともその姿勢は異なっており、まるで自分こそ日本の浮世絵版画の正統だと言わんばかりです。
　図4に示したのは、いずれもかなり奥行きのある風景ですが、近いものを下に、奥に従って上に移動する伝統的な遠近の表現で描いている例です。

３）喜多川歌麿のように「透ける物」を好んで描写する傾向がある（図１，２，５，６）

　図１および図２では「透ける服」を、図５では、透けるスカーフ、帽子、団扇の例を示しました。いずれも、彫師、摺師を泣かせるモチーフで、優秀な彫師、摺師無くしてはできない作品です。
　図６に、歌麿が好んで描いた「透ける物」の作品例を示します。歌麿は「透ける物」として、「蚊帳」や「漁網」を多く描きましたが、ここに示した小物類も描きました（中には江戸期とは思えないワイングラスの例もあります）。
　ジャクレーの「スカーフ」、「団扇」の絵の構図と歌麿の「布」、「団扇」の絵の構図が類似していることから、ジャクレーは歌麿の「透ける物」に注目しモチーフとして選んだのは間違いないでしょう。

４）色鮮やかな作品だけでなく地味だがシックな色合いの作品もある（図７）

　ジャクレーは南洋のシリーズの作品で観られる華やかで異国情緒豊かな作品がよく取り上げられますが、意外にも地味な作品もそれなりに多くあることが分かりました。上に示したように色味が控えめな作品です。
　ただ、モノトーンなりに微妙な諧調をつけたり、グレーの背景を多めに使うことで、シックな感じに仕上がっています。これはこれで実物を前にすると好感を持ちます。

５）トロピカルな植物を効果的に背景に用いている（図８）

　南洋諸島の人びとを描いたものは、どの作品も魅力を感じます。それは単純に近代文明にはないエキゾチックな雰囲気が理由かもしれませんが、配色としては、人物の茶色の肌に対して意識的に反対色の青、あるいは同系色の黄色や赤を背景色として用いていることが魅力をさらに増していると思います。それらの反対色、同系色以外にグレーをかなり頻繁に使っており、その場合は絵全体の色味が落ち着いて私自身は一番好きです。

　さて、以上の背景色に、さらに花や葉を人物の背後に加えた作品を多く制作しています（図８）

　花や葉の形はおそらく写実に基づいたものだと思いますが、特に葉の場合は、一つの枝に付いた葉に対し異なる色を使うという現実にはないケースもあり、必ずしも忠実に植物の色を再現しているわけではないことが分かります。

　以上から、ジャクレーは自分がよしとする絵造りのために全体の配色を決めている様子が見て取れます。

　なお、図７－１の蝶と植物の絵とあわせて、上述の背景にも植物を描いていますが、動植物画の木版画と言えば葛飾北斎と喜多川歌麿がまず頭に浮かびます。もしジャクレーが浮世絵版画を参考にするとしたら両者の絵を見たはずです。
　下図にそれぞれ喜多川歌麿と葛飾北斎の動植物画を示します（図９、10）
　北斎の絵の場合、余白部分に比べて動植物を目の前に迫るように大きく描き、線描や彩色も強めで迫力満点であるのに対し、歌麿は余白も多めに取り、線描も優美、彩色、配色は上品で、私はジャクレーの絵と両者と比較すると、どちらかと言えば歌麿の絵と共通点があると感じ、参考にしたのではないかと推測します。

６）多彩な黒ベタ塗りの表現は他の新版画作家にはない独自性がある。むしろ江戸浮世絵版画、中でも喜多川歌麿に倣ったか（図11）

　新版画作家の中で、人物画を多く描いているのは、主に伊藤深水、名取春仙、山村耕花、小早川清です。彼らの作品を調べると、全員黒ベタ表現が認められますが、描く人物は、日本髪で和服の女性、あるいは歌舞伎役者で、黒ベタの部分はすべて黒髪と和服の組み合わせに限定されます（例外として、小早川清に、黒い手鏡を持つ女性の作品があります）。

　ところが、ジャクレーは、先に挙げた人物画を描く新版画作家と違い、老若男女、人種、身分も限らず、それらに対して実に多彩な黒ベタ表現を試みています（図11）。

　一方新版画と違い、江戸浮世絵版画では、黒髪と黒の和服の組み合わせはもちろん、それ以外の多彩な黒ベタ表現が当たり前のように描かれています。
　すべての浮世絵版画を調べる時間が無いので、下記に喜多川歌麿の作品例を示します（図12、13、14）

• 　いかがでしょうか？　今回喜多川歌麿の全人物画を調べてみて、実に多様な黒ベタ表現をしていることに驚きました。一般に浮世絵版画では、女性の黒髪と着物の黒地が主な黒ベタ塗りであり、歌麿も当然描いています（図12）。しかしそれ以外の黒ベタ塗りが数多く描かれているのです（図13、14）。

　実はこの段階で私は「ジャクレーは歌麿の黒ベタ表現を参考にした」と言いたいのですが、すべての浮世絵版画を調べていないので「おそらく歌麿の黒ベタ表現を参考にした」という表現にとどめます。他の可能性があるとすれば、漆黒の闇夜のベタ塗りで有名な鈴木晴信ですが、今後、よく調べてみたいと思います。

　ただ、先述した「３）喜多川歌麿のように「透ける物」を好んで描写する傾向がある（図１，２，５，６）」の項で述べた様に、歌麿が好んだ「透ける物」をジャクレーが参考にしているのはほぼ間違いないと思います。ですから黒ベタ塗りについても同じように歌麿を参考にしておかしくはないと私は思うのです。

　なお、ジャクレーが歌麿を参考にしている傍証として付け加えますが、私にはジャクレーの人魚の絵の構図が、喜多川歌麿の海女の浮世版画の構図、具体的には海の中の岩の位置、足（尾）の先を海水に透けて入れている点などに似ているように思えてならないのですがいかがでしょうか（図15）

７）私が当初魅せられたジャクレーの「フランス的色彩センス」は、はたしてフランス的と言えるのか？（図16、17 、18）

　この記事の冒頭で、なぜジャクレーに魅せられたのか、それは彼の絵の「フランス的色彩センス」に魅せられたからだという理由を述べました。
　もともと私は「線スケッチ」の師匠、永沢まこと氏のカラフルで明るい透明水彩の絵に憧れて「線スケッチ」をやり始めたのですから、ジャクレーの彩色にもすぐに魅せられたわけです。

　ジャクレーの絵を知る前は、かつて多くの日本の漫画家が影響を受けたジャン・ジロー（メビウス）の漫画・イラストを見た時に、「あっ、これこそフランス的色彩だ！」と思いました（図16）。

　示したのは、PC壁紙用フリー画像なので彼の代表的な作品ではありません。しかし彩色は私がフランス的だと感じた色彩感覚を十分示していると思います。

　これを見て、なぜ私がジャクレーの絵と同じものを感じたかお分かりになると思います。「ピンク、赤紫、紫、黄色、オレンジ、茶色、ターコイズブルー、青緑、緑」の各色の選び方と色自身も日本人の感覚とは違うパステル調でかつ明るく澄んだ色です。そしてそれら配色も共通しているのです。私はこのような彩色例はかつての日本の画家、イラストレータ、漫画家ではほとんど見たことがありません（現代は除く）。

　さて、この記事を書くまでは、フランス人に共通の「フランス的色彩感覚」が存在することを疑いもしませんでした。実際フランスには、パステル調でおしゃれな色彩センスがあると日本では一般に考えられていると思うのです。通俗的な例ではマリー・ローランサンの絵などは世間でフランス的だ言われているように思います。

　しかし、ジャクレーの絵の感想を書き進めていく中で、根本的な疑問が芽生え始めました。「はたしてフランス的色彩感覚は存在するのか」と。

　書店には様々な「配色に関する専門書」が並んでいますから、この疑問に対してはすでに答えがあるのかもしれません。
　現時点ではそれを無視して私の疑問とそれに対する考え方を以下に述べていきます。

　上述の「感想」の中で、ジャクレーは他の新版画作家とは違い、西欧絵画よりも、江戸浮世絵版画の伝統を忠実に守っている、そして喜多川歌麿の浮世絵版画を参考にしている可能性が高いことを指摘しました。

　この江戸期浮世絵版画、特に喜多川歌麿の版画を調べている時に、あることに気が付いたのです。
　私が利用しているデータベース「浮世絵検索」の画像にときどき、近現代に復刻された作品が出てくるのです。それらの褪色していない作品群の色を見て思いました。

　これは、どこかで見た文章と同じですね。そうです、ジャクレーの絵を見て私が感じたものと同じ内容です。

　実際に喜多川歌麿の復刻版を見てみましょう（図17）。

　褪色していない浮世絵版画を見る機会は多くないので、あらためてその明るさと心地が良い配色に驚きます。

　ただこれらの復刻年代は明治以降1970年代の近現代ですから色の好みは歌麿が望んだものとは違っている可能性があります。
　しかし、褪色としているとはいえ極めて保存状態がよい作品を持つ海外の美術館、例えばボストン美術館、シカゴ美術館、大英博物館所蔵の歌麿の浮世絵版画を見ると、同じ感じを受けるので、当たらずとも遠からずではないかと思うのです。

　参考までに、シカゴ美術館所蔵の歌麿の浮世絵版画の例を示します（図18）

　ですから、褪色する前の浮世絵版画は、もし当時にタイムスリップしたなら今よりもっとビビッドな色合いをもつ華やかな絵だったと想像します。
　ジャクレーの版画は、まさにその点でも江戸浮世絵の世界を忠実に継承しているのではないかと思うのです。

　一方「いったいフランス的なおしゃれで明るい色彩感覚とはどこから来たのだ」という問題がまだ残っています。

　あらためて西欧美術の歴史を見てみましょう。私は印象派の画家達が日本の浮世絵の色彩の明るさに驚き、その後色彩分割、筆触分割、点描画法と科学的な描法に進んでいった経緯を思い出します。

　彼らが日本の浮世絵版画の明るさに驚いたというのは、私がジャクレーの絵の華やかさ、明るさに驚いたときの感情と同じではなかったのか、いや明るい絵に慣れている現代の私よりは、暗い絵しか知らなかった当時の印象派の画家達の衝撃はいかかばかりだったでしょうか。

　ジャクレーの「フランス的色彩感覚」についての議論が長くなってしまいました。詳しくはどこかの機会で述べることにして、現時点での私の結論を述べます。

　印象派の画家達としては、モネを筆頭とする印象派の画家達、後期印象派、アール・ヌーヴォーのスラブ系画家、アルフォンス・ミュシャも同様な色彩感覚を持ちます。

　それでは、言ってみれば印象派の明るさの元であった浮世絵版画の明るさに気が付かず、なぜ私はフランス的色彩感覚に憧れを持ってしまったのでしょうか。

　一つの理由は、私の受けた教育では、日本の絵は明るく華やかだという教えは無かったように思うことです。経年のため古くなった美術品しか例示がありませんし、美術館では照明も暗く、本来手元で観る浮世絵版画も暗い印象しかありません。また、明治以降の高尚な芸術論ではなぜかわび・さびに繋がる系譜が強調されて、浮世絵版画は、庶民が慰みに買う商業美術的な位置づけだったことも理由にあるかもしれません。

　ですから、本来明るく華やかな美術であった日本の絵画の側面が、すくなくとも私の受けた教育では強調されなかったと言えます。

　その反動なのか、最近では日本絵画の見直しが進み、人気が出てきたように感じるのはうれしいことです。

最後に

　以上感想を述べてきましたが、ここで、冒頭に述べた感想の結論を再度掲載してこの記事を終わります。

　仮説だらけの結論ですが、今後補強できる材料があれば、追加投稿していきたいと思います。

（おしまい）

　前回の記事は下記をご覧ください。