（承前）

　月下美人を表した、大竹亮峯さんの彫刻作品《月光》（2020年）。

　月下美人の花は、夕方から咲きはじめ、朝方にはしぼんでしまう。「夜８時ごろ開花し、２時間ほどでしぼむ」とする見方もあった（福岡市植物園）。作品解説にも書かれていた「1年にたった1度しか咲かない」とはあくまで俗説とのことだが、いずれにしても「花の命は短くて……」を地で行く、儚く妖艶な花である。
　本展に行けば、真っ昼間でも、いつでも月下美人の花が満開だ。

　しかし、本作は、月下美人の姿を精巧に写すのみにはあらず。
　じっさいに花が咲いたり、しぼんだりする……つまり「動く彫刻」なのだ。
　花の後ろ側から水を注ぐと、固く閉じていた花が少しずつ、時間をかけて開いていく。構造や原理の詳細は、秘密とのこと。サイフォンの原理を応用したものだろうか。
　開花の経過を記録した映像が、こちら。

　白い花びらは鹿の角を削ったもので、透光性をもつほど薄い。それが複雑に、そして密に折り重なっていた。
　そんな状態でも、月下美人の花のかたちを総体として保ちながら、それぞれの花びらが引っかかりを生じることなく開いていく。ここに至るまで、どれほどの時間と手間がかかっているのだろう。

　先に述べたように、展示室では「いつでも月下美人の花が満開」であった。
　会場での実演もなかったため、わたしもじっさいには、この動画によってしか開花のようすを知らない（同じ動画が、会場の外で流されていた）。
　動いているところを、いつか生で観てみたいものだ。

　——ガラスケースに守られて、展示台の上にうやうやしく……クリップに挟まれたスルメと、茶碗の欠片が置かれている。
　至極シュールな光景であるが、れっきとした展示作品。前原冬樹 《『一刻』スルメに茶碗》 （2022年）。こちらも、木彫の作品だ。

　やきものがすきなので、欠片のほうはすぐに素材の違いがわかってしまうけれど、乾物、スルメとなるとそうはいかない。
　スルメだけ拡大してみよう。

　……どう見ても、スルメである。
　からっからに乾いて、うまみと塩分が凝縮された、あのスルメでしかない。条件反射で涎が分泌されるのを感じる。
　クリップやその先の金具を含めて、ひとつの材から彫りだした一木造。まことに驚くべき仕事だ。

　なぜかクリップがつけっぱなしになっているのは、風であおられて、金具が外れて地面に落ちてしまったからだろうか？
　スルメと茶碗の関係は？
　そもそも茶碗は、なぜ割れているのか？
　……などなど、不可解なところが、まだいくらでも残っている。はっきりとした答えは出なくとも、これらの謎に考えをめぐらす楽しみも、本作にはある。

　同じ前原さんの作品として、他にも《グローブとボール》《トタンに釘、板に鎹（かすがい）》《ブランコに朴の実》を拝見。
　いずれも、素材感の再現性がすばらしいとともに、組み合わされたモノとモノの背後に、なにかしらの物語を想像したくなった。
　写実ぶりに対する驚異が尽きないのはもちろんのこと、ひとつの作品を起点にさまざまなイメージをかき立てていくという意味においても、前原さんの作品は「スルメ的」といえるだろう。
　つまりは「かめばかむほど」……ということであるが、これはひとつ前の巡回先・大阪展のコピーとして既出であった。さすがは、大阪。

　
　——「そっくりに似せる」ばかりが、超絶技巧ではない。初めて目にする、美しいかたちもあった。青木美歌《あなたと私の間に》（2017年）。

　顕微鏡を覗かなければ捉えられないミクロの世界の様相を、青木さんはガラスによって表しているという。
　そういわれると、つらら状のそれぞれが、まるで生命を持っているように感じられる。そのまま、うねうねと伸びていきそうな……

　——これら現代の作品に対して、明治の作品としては、七宝の並河靖之、濤川惣助、漆工の柴田是真、金工の正阿弥勝義、牙彫の安藤緑山など、おなじみのオールスターが勢ぞろい。京都・清水三年坂美術館からの借用が目立った。
　並河靖之の、黒を効果的に用いた品格の高い小品に、とくに惹かれるものがあった。キュッと絞ったフォルムが、黒の締まった感じをより引き立たせる。

　こういった明治工芸のスターたちを向こうに回してもなお、強烈な輝きをみせてくれた、現代工芸の旗手たち。彼らの活躍から、ますます目が離せない。

　※《『一刻』スルメに茶碗》 制作動画。

　※作品名では「茶碗」となっているが、この種のものを単に「茶碗」と呼ぶのは違和感がある。「湯呑み」「湯呑み茶碗」であり、もっといえば「汲み出し」というのが適切だろう。