イギリスの国立美術館・テートの所蔵品による、「光」をキーワードとした世界巡回展の東京展である。

　出品作品は古くは1776年から、新しいところでは2014年までと幅が広い。
　年代順におおむね逆らわない構成をとりながら、どの展示室においても現代アートの大作やインスタレーションがかならず配置されるという、やや変則的な展示手法がとられていた。
　たとえば最初の展示室。
　壁には、イギリスが生んだ偉大な風景画家ジョゼフ・マロード・ウィリアム・ターナーの作品をはじめとする18～19世紀前半の絵画が並んでいる。とりわけターナーは、油彩が4点も。しょっぱなから飛ばすなぁ！
　《湖に沈む夕日》（1840年）に描かれるのは、水、空、雲、太陽、水蒸気……どれも、人間の手で触れたり、つかんだりすることができないものだ。

　朦朧とした画面でターナーが描こうとしたのは、夕暮れの湖畔に満ちた空気であり、光だったのだろう。

　この部屋の中央には、アニッシュ・カプーア《イシーの光》（2003年）が鎮座していた。高さ3メートル強の紡錘形、卵の殻や試着室のような作品である。

　開け放たれた殻の内側は漆黒でコーティングされ、鑑賞者の姿が映りこむようになっている。向かいの壁のターナーの絵も、ここには映っていた。
　凝視していると、その鈍い光のなかに、スッと取りこまれていくような感覚を得た。もっと奥へ……吸いこまれそうになったけれど、試着室の内側に入ることはできず、外から観るのみ。
　あの内側に身を置いて、視界を漆黒で支配されたら、どんな心持ちになるのだろう。興味が湧いた。

　《イシーの光》の背後のスペースには、ジョン・マーティンらの作品があった。一転して「光と闇」の世界である。
　なかでも最大の《ポンペイとヘルクラネウムの崩壊》（1822年）は、幅2.5メートルに及ぶ大作。けっして抗うことのできない自然の脅威と、慌てふためくポンペイの民たちの混沌とを、明暗の劇的な対比で表している。

　ジョゼフ・ライト・オブ・ダービー《トスカーナの海岸の灯台と月光》（1789 年出品？）は打って変わって、港町の静かな夜のひとときを描く。

　闇があるから、光が目立つ。光があるから、闇が際立つ——国や時代こそ違えど、「こんな夜、あるよなあ」と思わせる普遍的な情景ではないだろうか。

　次なる部屋からは、画材を抱えてアトリエを飛び出した画家たちの作品が多く並ぶ。今度の空は、青空だ。
　ジョン・コンスタブル《ハリッジ灯台》（1820年出品？）や、本展のポスターにもなっているジョン・ブレット《ドーセットシャーの崖から見るイギリス海峡》（1871年）には、壮大な海、空が描かれ、さわやかである。日本の絵では、あまり味わえない感覚だと思った。

　ブレットの絵は、近くで拝見すると、水面のゆらぎ・さざ波、そして光の散乱が、きわめて繊細な点描によって表されていることに気づかされた。ホームページや印刷物での印象とまるで違っていて、息を呑んだ。おみそれしました……

　お隣には、ジェームズ・ホイッスラー《ペールオレンジと緑の黄昏——パルパライソ》（1866年）。暮れなずむ空と、海が溶けあう。

　ホイッスラーのひと筆は幅広・太めで、ゆっくりとした速度ですーっと引かれていく。全体の穏やかな色合いもさることながら、この筆の動きが、えもいわれぬ詩情を醸しだしているのだと思われた。
　ちなみに、地名だけはなんとなく認識しているパルパライソは、チリの港町。ちょうどこの日はラグビーワールドカップ・日本対チリ戦の翌日で、おおっ！と思った。

　さらにお隣には、クロード・モネ《エプト川のポプラ並木》（1891年）。

　先ほどの “のんびり癒し系” ホイッスラーに比べると、ブルーの色みはまぶしすぎるくらいにビビッドであるし、タッチはものすごく速い。この空の青のように、すかっとした描きぶりである。
　同じポプラ並木を描いた連作のひとつだが、モネ自身はこの1枚をとくに気に入っていたという。
　なるほど、そうだろうな。これくらい迷いなく、描ききることができれば……とても、得心がいったのであった。（つづく）